캔버스 속 문화 일번지

Dvorak Cello Concerto in B minor op. 104(드보르작 첼로 협주곡 b단조 op.104)

라이네나무 — Thu, 28 May 2009 01:21:30 +0900

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첼로 음악의 황제라 불리는 이 곡은 드보르자크의 신세게 교향곡을 비롯해 왕성한

작품 활동을 하던 미국시대의 마지막 작품으로 1894-95년에 씌어졌다.

체코의 시골에서 태어난 드보르작은 부귀영화에도 불구하고 복잡한 뉴욕생활이

불편했고 설상가상으로 젊은날 사랑했던 여인이며 처형인 조세피나의 우환소식을

듣자 깊은 노스탤지어에 젖어 이 곡을 작곡하게 된 것이다.

이 곡은 같은 고향 출신 첼리스트 비안에게 증정되었는데, 도미 직전에 그와 함께

한 보헤미아 지방으로의 여행이 이 곡을 작곡하는 데 간접 동기가 되었을 뿐 아니라 귀국 후 곡을 마무리할 때 받은 도움도 잊지 않았다. 그래서 초연도 비안이 할 예정이었지만 수정작업 때 의견이 충돌되어 실현되지 못했다.

수정에 관해서는 여러 가지 해석들이 분분한데, 우선 귀국 후 조세피나의 부음을 듣고 그녀가 좋아하던 자신의 노래 '내 영혼이라도...'를 포함시켰고, 또 한편 미국 작곡가 허버트의 첼로 협주곡에서 보인 효과적 고음처리법에 매료되었기때문이라고 한다.

이에 대해 드보르자크 자신은 "피날레의 종결은 마치 숨과 같다. 1, 2악장을 회고하면서 솔로가 피아니시모로 소진된다.

그리고 나서 음향은 다시 커지고 마지막 소절에 가면 투티로 옮겨져 폭풍우 같은 종결이 만들어져야 한다. 이것이 내 생각이고 그것을 포기할 수 없다." 고 했다.

이 곡은 1896년에 런던 필하모닉협회의 초청으로 드보르자크 자신의 지휘와 영국의 첼리스트 스턴에 의해

초연되어 큰 성공을 거두었고 그 영광은 오늘날까지 지속되고 있다.

브람스는 드보르자크의 첼로 협주곡의 악보를 보고 "나는 왜 첼로로 이렇게 협주곡을 쓸 수 있다는 것을 몰랐을까 ?" 하고 부러워했다고 한다. 교향곡적 전개와 풍요로운 악기론적 기법과 거대한 형식은 이것을 오케스트라와 첼로를 위한 교향적 협주곡이라 부름이 마땅하다. 카잘스는 이 곡을 영웅의 생애를 담은 한 편의 드라마라고 했는데, 여기서 영웅이란 아마도 보헤미아 백성들이었을 것이다. 왜냐하면 작곡 당시 드보르작은 고국과 사랑하는 사람들을 그리워했기 때문이다.

애절하면서도 강렬한 선율과 활기차고 다양한 리듬으로 보헤미안의 감성과 정서를 전곡에 담은 드보르작은 이를 표현하기 위해서는 어떠한 불가능도 없다는 듯인 난해한 테크닉을 수시로 구사하고 있지만, 적재적소에 사용되어 전혀 과장된 느낌을 갖지 않는다. 그러므로 이 곡은 거룩하면서도 끝없는 인류에 대한 연민이 서려 있기 때문에 듣는 이들을 늘 감동시킨다.

첼로 : 로스트로포비치(Rostropovich)
지휘 : 카를로 마리아 쥴리니(Carlo Maria Giulini)

1,2,3 악장이 2개씩 나눠진 영상이다.
음원파일로 가지고 있는 슈타커&도라티 버전보다 더 웅장하고 강렬한 것이 특징이다.
역시 첼리스트나 지휘자의 특성차이겠지만,
로스트로포비치의 연주는 대체로 매우 열정적이고 화려하게 들린다.
(그에 반해 슈타커는 절제되있으면서도 정확하게 한음한음 깊이 있게 내주는 스타일)

1악장의 5분정도에서 첼로파트 연주가 너무 너무 좋다.

추가로 2가지 버전을 더 첨부한다.
취향에 따라 골라먹는 재미가 쏠쏠할듯 싶다.

첼로 : 야노스 슈타커(Janos Starker)
지휘 : 안탈 도라티(Antal Dorati)

첼로 : 미샤 마이스키(Mischa Maisky)
지휘 : 레너드 번스타인(Leonard Bernstein)

고 노대통령님을 위해 이곡을 바칩니다.

라이네나무 — Sun, 24 May 2009 17:07:10 +0900

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레퀴엠 Requiem [명사]<음악> 죽은 사람의 영혼을 위로하기 위한 미사 음악.

《레퀴엠 D단조 (K. 626)》는 볼프강 아마데우스 모차르트가 1791년에 작곡한 레퀴엠이다. 모차르트는 이 곡을 작곡하던 도중에 사망했기 때문에 미완성으로 남게 되었으며, 사후에 모차르트의 제자인 쥐스마이어가 모차르트가 남긴 스케치를 토대로 곡을 완성하였다. 쥐스마이어 판 외에도 하이든의 제자인 노이콤이 완성한 노이콤 판, 바이어 판, 몬더 판 등 여러 판본이 있으며 어떤 음반에서는 두 가지 이상의 판본을 섞어서 연주하기도 한다. << 위키백과 >>

베를린필의 연주와 아바도가 지휘한 카라얀 서거 10주년 추모 공연.
모짜르트의 Requiem 전곡. 잘츠부르크 대성당에서 진행되었다.

레퀴엠 중 가장 아름답다고 평가받는 Lacrimosa 부분이다.

사족
이 와중에도 좌빨이니 우빨이니 색깔론이나 펼치고 정치적 사안을 개입시켜 헛소리나 삑삑 해대는 사람들은 사람목숨 앞에서 그러는게 아니라고 한마디 해주고 싶다.

사족2
이렇게 훌쩍 떠나고 나면 아무것도 아닌것을, 검찰도, 노무현씨도, 언론들도, 또 궁극적으로 우리자신들도...
무엇을 위해 그리 아둥바둥 거렸던가... 참으로 허무한 인생이다.

Megadeth - Rust In Peace(1990)

라이네나무 — Fri, 22 May 2009 16:35:25 +0900

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앨범 삽화는 에드 렙카(Ed Repka)가 맡았다. 18번 격납고에 모인 5개국 정상들과 함께, 에일리언을 가둔 캡슐에 기댄 밴드의 마스코트 빅 래틀헤드가 그려져 있다. 좌에서 우로, 각각 그려진 5개국 정상들은 다음과 같다 : 전(前) 영국 수상 존 메이저, 전(前) 일본 국무총리 도시키 카이푸, 전(前) 독일 대통령 리샤트 폰 바이체커, 전(前) 소련 공산당 서기 미하일 고르바초프, 전(前) 미국 대통령 조지 허버트 부시(前 미국 대통령인 조지 부시의 아버지).

01. Holy Wars... The Punishment Due
02. Hangar 18
03. Take No Prisoners
04. Five Magics
05. Poison Was The Cure
06. Lucretia
07. Tornado Of Souls
08. Dawn Patrol
09. Rust In Peace... Polaris
10. Breakpoint(Bonus Track)

Rest In Peace....! Rust In Peace???

이 앨범의 제목은 범퍼 스티커의 글에서 인용한것이다. Rust In Peace(평화로이 녹스소서)는 묘비에 쓰는 어구 Rest In Peace(평화로이 잠드소서)의 언어 유희적 표현인데, 다음은 그와 관련된 내용의 인터뷰이다.

" 저는 엘세넌, 음, 엘세넌 호수에서 집으로 돌아오고 있었습니다. 고속도로에서 어떤 차를 바짝 쫓아가고 있었는데, 그 차의 범퍼 스티커에 이렇게 써있더군요. "핵폭탄 한방이 하루를 망쳐버릴수 있다". 그리고 그 옆을 봤는데, "핵무기들이여 평화 속에 녹슬지어다(Rust In Peace)"라고 써있더군요. Rust In Peace라. 세상에. 멋진 제목감이었습니다. 당시에는 대체 "평화로이 썩을지어다"가 무슨 뜻인지 고민을 했었는데, 이제서야 알 것 같습니다. 씰 비치 같은 곳에 쟁여져 있는 핵탄두에 대해 한 말일테지요. 왜 애들이 스프레이로 낙서하는 그 녹슨 것들 말입니다."

위키백과의 간단한 설명을 첨부한다.

Megadeth 의 영원한 명반. Rust In Peace

필자는 장르를 세세하게 쪼개서 이것은 스래쉬메탈, 이건 헤비메탈, 요건 얼터너티브...
이런식의 장르구분을 무척 싫어한다.
편의상 그런식으로 장르구분을 두어 스타일이 비슷한 뮤지션들을 묶어서
청자들을 위한다는 취지에는 크게 반대는 없지만, 그 장르구별이 절대적인양 믿는 사람들을 많이 봐서 그런지
그런 장르구분을 무척 싫어하게 되었다.

왜 메가데스글에 쓸데없이 장르얘기를 하냐고 물어보신다면,
이들이 스래쉬메탈. 이라고 구분짓는 장르에서는 메탈리카, 슬레이어 등과 더불어 Big4를 이루는 한 축이기 때문이다.
(나머지 한 축에 대해서는 앤쓰랙스 라고 하는 사람들과 판테라라고 하는사람들 등등 약간은 의견이 분분하더라)

이 앨범은 메가데스 하면 모두 떠올릴만큼 메가데스를 대표하는 앨범으로
드러머 닉 멘자와 기타리스트 마티 프리드먼이 합류한 뒤 만들어진 앨범이다.
총 플레이 타임은 44:20. 모두 10곡이 들어있다.
(1990년반을 기준으로. 2004년도 리마스터 앨범은 히든트랙이 몇곡 추가된것으로 알고있다.)
메탈리카의 최고 명반으로 꼽히는 Master Of Puppets와 비견될 정도로 큰 인기를 얻었다.
(필자는 개인적으로, 빡빡하고 묵직하게 들리는 메탈리카 보다는 날카롭고 시원한 느낌을 주는 메가데스를 훨씬 좋아한다)

메가데스의 매력이라면 역시 서슬이 시퍼렇게 서있는 날카로운 맛을 꼽을 수 있다.

이 앨범속의 많은 곡에서 보여지는 데이브 머스테인과 마티 프리드먼의 솔로대결은 앨범의 백미라고 할 수 있는데,
다듬어 지지 않은 거친 사운드지만 시원시원한 머스테인의 솔로
동양적인 느낌을 주면서 기교와 예쁜 멜로디 라인을 자랑하는 프리드먼의 솔로
이 어울리지 않지만 은근히 어울리는 조합은 이 앨범을 그들의 최고명반으로 만들어놓았다.

1번트랙 Holy Wars... The Punishment Due와 2번트랙 Hangar 18은 싱글로도 발매되었다.

Holy Wars... The Punishment Due, Hangar 18, Lucretia, Tornado Of Souls 이 대표곡이라 할수 있겠다.
(흔히들 야구에서 확실한 1,2선발을 원투펀치라고 표현을 하는데 이 1,2번 트랙과 6,7번 트랙은 어디에 내놔도 꿀리지 않을 최강의 원투펀치 곡들이다!)

Holy Wars... The Punishment Due(M/V)

Holy Wars... The Punishment Due(Live)

원곡에 비해서 라이브 음질들이 하나같이 좋지 못하다. 그래서 부득이 하게 원곡 뮤직비디오를 추가해서 올렸다.
메가데스 사운드의 특징을 여실히 보여주는 곡으로, 흔히 메탈음악의 리프는 단순하고 반복적인게 매력이라고 하지만
메가데스의 리프는 복잡하고 화려하고 스피디하다. 이게 메가데스의 매력이라면 매력이다 ^^
거기다 기타/보컬인 데이브 머스테인의 조소적인 목소리. 처음들을땐 거부감이 들지만 듣다보면 이것또한 메가데스 사운드에는 최적의 목소리라는 것을 알 수 있다.(실제로 성격도 까칠하다고 한다 -_-)

Hangar18(Live)

원곡이랑 거의 차이가 없다. 녹음상태도 매우 훌륭하고 연주또한 최고다. 기타가 불을 뿜는다는 표현은 이런곡을 두고 하는게 아닐까 싶을정도로 두 기타리스트는 시종일관 엄청난 연주를 보여주는데, 후반부의 두 기타리스트의 불꽃튀는 솔로 배틀이 그 정점을 찍고 있다!

Tornado Of Souls(Live)

사족.

"세상이여, 내 모든 친구들이여, 당신들을 사랑합니다. 그리고 저는 떠나야 합니다.”

2002년 세계 헤비메탈계의 가장 묵중한 이름 중 하나였던 밴드 메가데스(Megadeth)의 공식 홈페이지에 이런 문장이 떴다. 밴드의 리더 데이브 머스테인(Mustaine)이 올린 글.

그는 “왼팔과 왼손의 신경에 장애가 오는 ‘신경 수축증’ 때문에 기타를 연주할 수 없다. 강도 높은 치료를 받고 있지만 그 결과가 어떻게 될지 아무도 모른다”며 밴드 해체를 선언했다. 그에게나 팬들에게나 절망은 크고 깊었다. 하지만 음악을 향한 열정은 그의 육체를 되살렸다.

머스테인은 재활치료 끝에 다시 기타를 잡았고, 메가데스는 지난 5월 본격적으로 밴드를 재정비하고 발표한 앨범 ‘유나이티드 어보미네이션스(United Abominations)’를 통해 다시 커다란 날개를 폈다.

대단한 머스테인이다. 그의 열정에 무한한 박수를 보낸다.

연주자에 의해 얼마나 달라질까? 바하 무반주 첼로 조곡 1번

라이네나무 — Thu, 21 May 2009 15:54:47 +0900

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첼로 연주자들의 하나의 지표라고도 할수 있는 이곡을
프로 연주자들은 어떤식으로 해석했는지 궁금하기도 하고
이곡에 워낙 홀릭되어있는 상태라 얼마나 다른버전이 많은지 궁금하기도 해서
이리저리 찾다보니 흥미로운 자료들이 많았다.
개인적인 선호도 순서로 나열해보겠다.

1. 로스트로포비치

일단 다른연주자들에 비해서 템포가 빠르다.
빠르면서도 섬세한 감정처리가 무척이나 와닿았다.
다음은 로스트로포비치에 대한 간략한 위키백과의 내용이다.

러시아 첼리스트 및 지휘자. 뛰어난 기교 및 해석능력 외에도, 다양한 신규 첼로 곡들을 소화하는등, 20세기 최고의 첼리스트로 꼽힘. 구 소련(현 아젤바이얀:Azerbaijan) 바쿠(Baku)시에서 태어나, 2차세계대전동안 모스크바동쪽 10시간 거리의 오렌버그(Orenburg)로 옮겨 거주하다가 16세인 1943년 모스크바에 정착. 이후 70년대에 정치적이유로 시베리아에 유배되었다가 47세인 1974년 미국으로 망명, 1978년 소련 시민권을 박탈 당함. 10세때부터 유명한첼리스트이자 파블로 카잘스의 제자였던 아버지로부터 연주를 배우다, 16세인 1943년, 모스크바로 옮기면서 모스크바 컨저버토리(Moscow Conservatory)에서 공부, 29세인 1956년에 첼로 교수로 부임. 쇼스타코비치(Dmitri Shostakovich, 1906-1975,러시아 작곡가)와 프로코피에브(Sergei Prokofiev, 1891-1953, 20세기 최고 러시아 작곡가)로부터 사사,18세인 1945에 소련 연주대회에서 우승하면서 첼리스크로 인정을 받기 시작. 1942년 첫 첼로 협주를 한 이후, 수차례에걸쳐 프라하 및 부다페스트에서 수상을 하며 23세인 1950년에는 최고의 스탈린 상(Stalin Prize)을 수상. 이후모스크바 및 레닌그라드(Leningrad) 컨저버토리에서 강의하면서, 볼쇼이(Bolshoi) 극장소속의 소프라노갈리나(Galina Vishnevskaya)와 결혼.

23세인 로스트로포비치를 위해프로코피에브(Prokofiev)가 작곡한 첼로소나타(Cello Sonata in C, Op.119)를 초연함과 동시, 1953년작곡가의 죽음으로 미완이 된 소나타를 카발레스키(Dimitry Kabalevsky, 1904-1987, 러시아 동요작곡가)와함게 완성, 성공적으로 초연. 37세인 1964년, 당시 서독에서의 첫 연주를 시작으로 작곡가들로부터 많은 헌곡을 시연.1968년, 41세때 소련 국립 심포니 오케스트라(Soviet State Symphony Orchestra)와 런던(LondonProm)에서 체코의 드보르작(Antonin Dvorsak) 곡으로 오케스트라 데뷰공연을 하던 중, 그날 밤인 8월 21일,소련의 체코 침공소식에 눈물을 흘렸다 함.

구 소련의 공산주의를 반대하다 스승인 쇼스타코비치는 1948년모스크바 및 레닌그라드 교수직을 박탈 당하며, 로스트로포비치역시 학교를 중퇴. 이후 시베리아 유배를 당함. 이후 미국 망명뒤소련에서의 연주 금지를 당함. 1993년 러시아 헌법사건(1993 Constitutional Crisis) 시 서방세계와 같이옐친(Boris Yeltsin) 대통령측을 옹호, 러시아와의 관계를 개선하며, 차후 푸틴(Vladimir Putin)대통령과도교류. 79세때인 2007년 푸틴 대통령의 초청으로 크램린 궁으로 초청된 후, 건강이 급격히 악화되어 장암으로 사망, 모스크바노보데비키(Novodevichy Cemetery)에 묻힘.

수많은 곡 중에서도 특히 드보르작 및 하이든의 첼로 협주곡에대한 해석이 유명.

2. 미샤 마이스키

풍부한 음색을 바탕으로 절제된 감정 표현이 아주 인상깊은 버전이다.
강약조절이 매우 일품인 버전으로 마지막의 클라이막스 부분은
터져나오는 느낌이 뭐라 표현하기 힘든 감동을 준다.

세계3대 첼리스트로 꼽히는 첼로의 거장,미샤 마이스키는 오늘날 런던,파리,베를린,비엔나,뉴욕과 동경을 비롯한 전세계의 유명 음악 홀에서 음악 팬들의 열광적인 환호를 받고 있다. 그의 연주는 시적이며 섬세하고 정교한아름다움을 눈부신 테크닉 속에 함께 표출해내고 있다. 윤기 있는 음색의 그의 연주는 훌륭한 성악가의 노래를 연상케 하는 매력을지녔다. 이를 단적으로 보여주는 것이 바흐 무반주 첼로 모음곡인데,마이스키는 아주 아름답고 서정적인 바흐를 표현하여 바흐작품의 원류에 취해있던 사람들에게 충격을 던져주었다. "바흐의 서정성을 가장 효율적으로 표현한 연주", "바흐의 무반주 첼로모음 음반 가운데 가장 아름다운 연주" 라는 평을 받으며 바흐 모음곡의 불후의 명반으로 꼽히고 있다.

미샤 마이스키는 1948년 구소련 라트비아의 리가에서 태어났다. 그는 고향인 리가에서 음악공부를 시작하여 레닌그라드에서공부를 계속했으며 17세 때 전 러시아 콩쿠르에서 우승했다. 이듬해 그는 차이코프스키 국제 콩쿠르에서 우승하면서 모스코바음악원에서 무스티슬라브 로스트로포비치의 제자로 공부하면서 전 소비에트 연합을 통해 연주회 경력을 쌓아나갔다.

미샤 마이스키는 첼로의 거장 무스티슬라브 로스트로포비치와 그레고르 피아티고르스키를 모두 사사한 유일한 첼리스트이다. 당시로스트로포비치는 어린 마이스키를 가리켜 "차세대 첼리스트중 가장 뛰어난 재능을 가진 첼리스트 중의 한사람이 될 것이다."라고칭찬을 했다. 그러나 그는 단지 유태인이라는 이유만으로 반체제 운동에 관계된 것으로 간주되어 2년간의 옥중생활을 해야 했다.

그 사이 연주도 할 수 없었으며 자유마저 빼앗기며 시련의 세월을 거치며 마이스키는 1972년 이스라엘로 망명했다.서방으로의 망명 후,이태리의 피렌체에서 열린 유명 콩쿠르인 가스파르 카사도 국제 첼로 콩쿠르에서 우승한 이래 마이스키는1973년 11월,윌리엄 스타인버그가 지휘하는 피츠버그 심포니 오케스트라와의 협연으로 대망의 카네기홀에의 데뷔공연을 하게 된다.

이 카네기홀 데뷔직후 그는 익명의 후원자로부터 18세기산 몬타냐 첼로를 선사받아 오늘날까지 이

악기로 연주해오고 있다. 1974년,마이스키는 미국,이스라엘 문화재단의 스칼라 쉽을 받고 그레고르 파아티고르스키 문하에서 공부하게 되고 마이스키는 피아티고르스키의 마지막 제자가 되었다.
1975년이래 마이스키는 드디어 전미지역과 유럽에 걸쳐 활발한 연주회를 갖게 되었다.

파리에서 열린 로스트로포비치 첼로콩쿠르에서 마이스키는 위촉된 곡을 연주하여 특별상을 수상했다.

마이스키는 기돈 크레머가 고정 출연하는 록켄하우스 페스티발에 종종 참가하여 그의 실내악에 대한 열정을 과시하고 있으며마르타 아르헤리치,라두 루푸,피터 제르킨,말콤 프레이져와 넬슨 프라이어 등 유명 피아니스트들과도 찰츠 부르그 페스티발 등 유명음악제에서 연주하고 있다.

실내악에 대한 미샤 마이스키의 한결같은 애정은 그가 기돈 크레머의 로켄하우스 페스티벌에 자주 참여한다는 사실 뿐아니라 특히 마르타 아르헤리치와 함께 유럽 전역에서 무수한 리사이틀을 열었다는 점에서도 확연히 드러난다. 도이치 그라모폰과의 첫작업으로서 크레머, 번스타인과 함께 브람스의 더블 콘체르토를 녹음한 이후, 1985년에 그는 이 회사의 독점 아티스트가 되었다.그때부터 무수한 음반이 쏟아져 나왔는데, 그 중 많은 음반이 각종 음반상을 받았다.

그가 두 번에 걸쳐 녹음한 바흐의 무반주 첼로 조곡,아르헤리치와 함께한 바흐와 베토벤의 소나타집,아르헤리치,크레머와의 쇼스타코비치,차이코프스키 피아노 3중주,그리고 블로흐,보케리니,드보르작,엘가,하이든,미아스코프스키,프로코피에프,생상스,슈만,쇼스타코비치,차이코프스키,비발디의 첼로

협주곡들에 이르는 방대한 레퍼토리가 그의 왕성한 녹음 활동을 증명해준다.

네 장의 리사이틀 음반 - <명상,Meditation>,<아다지오>,<첼리시모,Cellissimo>,그리고 <꿈꾼 후에,Apres un reve> - 는 특별한 찬사를 받아왔다.
그는 <무언가집,Songs without Words>이라는 타이틀로 두 장의 음반을 녹음했는데,하나는 프란츠 슈베르트에게,또 하나는 요하네스 브람스에게 헌정되었다.

마이스키는 2000년 한해를 고스란히 요한 세바스챤 바흐의 작품들을 연주하는 일에 바쳤는데,중국,호주,남북아메리카,그리고 무수한 유럽 국가들을 순회하면서 바흐의 무반주 첼로 모음곡을 80회 이상 연주했다. 최근에는 마르타아르헤리치와 함께 실황 음반을 발행했는데,이 음반에는 쇼팽, 드뷔시,프랑크의 작품들이 수록되어 있다.

현재 벨기에에서 아내와 두 아이와 함께 살고 있으며 전 세계를 무대로 가장 분주한 연주활동을 하고 있는 이 시대의 가장사랑받는 거장 첼리스트로 자리매김 되어 있다. 한국인이 가장 사랑하는 첼리스트 미샤 마이스키는 로스트로포비치,요요마와 더불어세계 3대 첼리스트로 '장한나의 스승'이란 점에서 한국과 인연이 깊은 연주자다. 한국팬이 유난히 많아 2003년과 2004년내한 연주회 당시 전석 매진을 기록했다. 1997년 도이치그라모폰에서 낸 베스트 음반에 한국가곡 <청산에 살리라>와<그리운 금강산>을 넣어 한국에 대한 애정을 표시하기도 했다.

음악에 모든 것을 헌신한 사람,"음악은 종교다" 라는 신념으로 음악을 대하는 사람,미샤 마이스키.

그는 분명 우리시대 최고의 첼리스트이다.

봉구와탄노이 님의 블로그에서 발췌.
http://blog.daum.net/sojtkim/10612585?srchid=BR1http%3A%2F%2Fblog.daum.net%2Fsojtkim%2F10612585

3. 야노스 슈타커

첼로음의 깊이가 유난히 깊게 느껴지는 것이 매력인 버전

헝가리 태생의 미국 첼리스트.

야노스 슈타커는 정치와 이데올로기로 굴곡진 20세기를 살면서 자의로 고국을 떠나 새로운 삶을 개척했고,서구 현대 문명의 특징인 냉철한 이성주의와 관념주의적 접근에 의한 절대미를 추구한 냉철하고 지적인 연주자이다. 그는 무대 위에서도 필요 이상의 몸짓이 없고 오직 음악을 위한 종사자이고자 했던 20세기 가장 위대한 첼리스트중 한 사람이며,현역 독주자 중 최원로급에 속한다.

야노스 슈타커는 1924년 7월 5일 부다페스트에서 태어났다.
그의 부모는 원래 러시아 태생으로 헝가리로 이주했는데,당시 국적도 얻지 못한 어려운 상황 속에서도 아들의 음악적 재능을 일찍이 감지하고 7세부터 첼로를 가르쳤다.
그는 부다페스트에 있는 리스트 음악원(Franz Liszt Academy of Music)에 입학해 다비드 포퍼(David Popper)의 제자였던 아돌프 쉬퍼( Adolf Schiffer)문하에 들어가 15세에 졸업했다.
11 세의 어린 나이에 연주대에 오른 슈타커는 1939년 음악원을 졸업할 즈음에는 부다페스트에서 이미 상당한 명성을 얻고 있었다. 부다페스트 리스트 음악원 학생 시절,자신의 스승 캐러비에게 코다이(Zoltán Kodály)가 헌정한 무반주 첼로 소나타를 초연하였다. 이를 계기로 슈타커와 코다이의 <무반주 첼로 소나타>는 세계 음악계에 알려지게 되었다.

졸업한 후,부다페스트 국립 오페라 극장 오케스트라의 수석 주자로 취임하면서 연주가로서의 길을 열었다. 그러나 곧 제2차 세계대전이 발발하여 연주는 물론 거의 2년 동안 첼로를 만져 보지도 못하는 상황에 처하게 되었다. 전쟁이 끝나고 나서야 다시 활동을 시작했는데,1945년에는 부다페스트 오페라와 필하모닉 오케스트라의 첼로 수석을 겸임하게 되었고,비로소 헝가리 국적을 획득했다.

또한 피아니스트인 조지 쉐박(Gyorgy Sebok)등과 트리오를 조직하여 활동하다가 1946년 헝가리에서의 활동을 멈추고 1948년 루마니아,오스트리아,프랑스를 거쳐 미국으로 건너가 댈러스 교향악단의 수석주자가 되었다. 그 후 지휘자 프리츠 라이너의 요청으로 1949년부터 1953년까지 메트로폴리탄 오페라 오케스트라에서 활동했다. 1951년,피아노의 율리우스 카첸(Julius Katchen),바이올린의 요제프 수크(Josef Suk)와 트리오를 결성하여 활동하였으나,1969년 카첸의 죽음으로 그만두었다.
다시 1953년부터 1958년까지 시카고 교향악단에서 수석주자를 맡은 다음 솔리스트가 되었다.
1958년부터는 인디애나 대학에서 교육 활동도 하면서 뛰어난 첼리스트를 차례로 배출하였다.

슈타커는 1950년 무렵 레코딩한 코다이 무반주 첼로의 생생하고 생명감 넘치는 녹음으로 유명하며,

이후 금세기를 대표하는 첼리스트로 꼽히고 있다. 그는 초인적인 기교의 소유자이지만 쇼맨십과는 거리가 멀다. 그래서 사람들은 그의 기교가 뛰어나다는 것을 인정하면서도 그의 연주에서 차갑다는 인상을 받기 쉽다. 하지만 그는 깊이 성찰하는 첼리스트이며,작품이 지닌 묘미와 뉘앙스를 섬세하게 살려낸,그리고 외모에서 풍기는 인상과는 달리 따스함을 훈훈하게 풍겨낸 첼리스트이다.

1972년 뉴욕 필과 하이든 첼로 협주곡을 연주했을 때 쇤베르크는 이런 평을 했다.
..."슈타커는 귀족적인 엄격함을 갖고 연주했고,고도의 논리로 음악적 소재를 구도화했다.
그의 완벽한 아티큘레이션은 달인의 경지에 올라 있으며,첼로 소리는 크고 아름답게 울렸다.
그의 하이든 협주곡은 분명함과 균형감에 있어 극치였다."...

이처럼 슈타커는 어떤 음악을 연주할 때에도 감정에 휩쓸리는 법이 없다. 항상 냉정하게 작품의 양식을 정확히 파악해 고도의 테크닉과 함께 그것을 축으로 감정을 담아낸다. 따라서 그의 연주 매력은 불과 얼음이 환상적으로 매치되어 있다고 말하는 사람도 있다. 그 자신의 설명에 의하면 과장된 제스처나 쇼맨십에 반대하며,또 하나는 헐리우드 영화 속에 멜랑콜릭한 장면에 단골 악기로 등장하는 첼로의 역할에서 벗어나고 싶다고 했다. 그리하여 그는 지나친 비브라토나 불필요한 포르타멘토를 피한다.

슈타커의 또 하나의 업적으로는 첼로 교육에 있다고 하겠다.

그는 가르치는 것을 무척 즐기는데,스스로가 성격상 연주가보다는 교육자에 더 잘 어울린다고 했다. 그는 특히 다음 세대들에게 영향을 줄 수 있는 스승의 역할에 대해 큰 의미를 두고 있다.

현재에도 이미 파리 고등 음악원의 마크 코페,독일 프라이부르크 음대의 헨켈처럼 인디애너 대학에서 배출한 제자들이 세계 곳곳에서 연주자·교육자로 활약하면서 슈타커 사단의 계보를 이루고 있다.

비브라토를 비롯해 많은 테크닉들을 바이올린 주법에서 착안해 냈다고 하는데,그의 테크닉 교칙본과 또 그가 편집한 바흐의 무반주 모음곡은 첼로를 배우는 학도들에게 중요한 지침서가 되고 있다.
또한 왼손의 독립성과 강화를 꾀하는 <첼로 메소드>의 저자로도 이름이 높다

봉구와탄노이 님의 블로그에서 발췌.
http://blog.daum.net/sojtkim/10612707?srchid=BR1http%3A%2F%2Fblog.daum.net%2Fsojtkim%2F10612707

4. 요요마

언제나 저렇게 푸근한 인상이 매력적인 요요마 아찌다.

부드럽게 휘감으면서도 강렬한 부분에서는 강하게 쳐줄줄 아는
완급조절이 아주 멋진 버전이다.
연주하는 내내 그의 음미하는 듯한 표정은 보는사람도 덩달아
그 부드러움에 심취하게끔 하는 매력이 있다.

요요 마(馬友友,Yo-yo Ma)는 프랑스에서 태어난 중국계 미국인 첼리스트이다.

1955년 10월 7일,프랑스 파리에서 중국계로서 음악교수인 아버지 마샤오쥔(馬孝駿,Hiao-Tsiun Ma)과 메조 소프라노가수인 어머니 마리나 루(盧雅文,Marina Lu) 사이에서 태어났다.

15번이나 그래미상의 영예를 수상한 요요마는 4세 때부터 첼로를 시작해 어린시절부터 신동으로서 이름을 날리던 그는 6세 때 파리 대학 예술고고학 연구소에서 데뷔 연주회를 가질 정도의 천재였다.

1962년,그가 7세 되던해 그의 가족은 미국 뉴욕으로 이주했고,그는 줄리어드 음악원에서 레너드 로즈에게 배웠다.

이듬해 번스타인이 지휘한 TV음악 프로그램에 출연했고,아이작 스턴과 카네기홀에서 함께 연주하는 등,미국전역에서 신동으로서 이름을 떨쳤다.

이후 요요 마는 줄리어드 음대와 1976년 하버드 대학교를 졸업했다.

1972년부터 말보로 음악제,아스펜음악제 등에 출연하기 시작했고,1977년부터는 유럽으로도 연주 활동의 폭을 넓혔다.

베를린 필,빈 필 등 최고의 악단과 협연한 그는 1978년에는 잘츠부르크와 루체른 음악제에도 출연했다.

워낙 어린시절부터 연주해 왔으므로 그의 연주 활동도 40년이 넘어섰다.

자신의 이름이 등장하는 음반을 가장 많이 갖고 있는 첼리스트 중의 한사람이라는 사실도 이를 뒷받침한다.
그는 솔리스트로서 화려한 명성을 자랑했으나 실내악 연주도 게을리하지 않았다.

김영욱과 엠마누엘 액스와의 트리오 활동부터 아이작 스턴,제이미 라레도,초량린,리처드 스톨츠만 등과 파트너십을 이루며 이어온 실내악 활동은 최근에도 끊이지 않는다.

다재다능한 경력의 첼리스트 요요 마는 관객과의 새로운 커뮤니케이션 방법을 끊임없이 개발해내는 데 앞장설 뿐 아니라,개인적인 예술적 성장과 변화를 추구하는 데도 멈춤이 없는 선구자적인 아티스트이다.

새로운 협주곡의 연주,널리 알려진 첼로곡 연주,실내악을 통한 음악가들과의 교류,서양음악의 전통 너머에 있는 문화와 음악 형태의 탐구 등 요요 마는 상상력을 자극하는 연결 고리들을 찾는 데에 끊임없는 노력을 기울이고 있다.

요요 마는 리사이틀 및 전세계 오케스트라와 협연하는 솔리스트로서뿐만 아니라 실내악 연주자로서 균형을 유지하고 있다.

그는 엠마누엘 액스,다니엘 바렌보임,크리스토프 에셴바흐,파멜라 프랑크,제프리 카안,톤 쿠프만,제이미 라레도,바비 맥퍼린,에드가 마이어,마크 모리스,마크 오코너,고 아이작 스턴,캐서린 스톳,우 만,데이빗 진만 등 장르를 초월한 많은 음악가들과의 활발한 교류를 통해 영감을 얻어 새로운 프로그램을 창조하고 있다.

이러한 협력 작업은 아티스트들과의 상호 관계를 통해 더욱 깊어져,특정 장르의 범주를 뛰어넘는 창작 활동으로 이어지고 있다.

요요 마가 추구하는 음악 활동 중의 하나는 세계의 다양한 문화 속에서 의사 소통의 수단으로서의 음악,아이디어 전달 매체로서의 음악을 탐구하는 것이다.

그 목표를 향해서,자신의 뿌리인 중국 음악과 아프리카 부시족의 칼라하리 음악과 같은 다양한 분야에 깊이 몰두해왔다.

이러한 관심사를 더욱 발전시켜,요요 마는 지중해로부터 태평양에 이르는 고대 실크로드 무역로를 따라 형성된 문화적,예술적,지적 전통의 연구를 진흥시키고자 실크로드 프로젝트를 시작하였다.

이 광대한 지역의 사상 흐름을 연구함으로써,실크로드 국가들의 문화유산을 재조명하고,오늘날의 전통을 대표하는 목소리를 재확인하고 있다.

실크로드 프로젝트는 일련의 문화교육 프로그램을 위한 공통 자원을 가진 조직으로서 2002년 스미소니언 민속생활 페스티벌을 비롯한 수많은 페스티벌에 참가해왔다.

요요 마는 소니 클래시컬 전속 아티스트로 활동하고 있으며 지금까지 75장이 넘는 음반을 내놓았는데,이 가운데 15장의 음반이 그래미상을 수상했다.

그는 다양한 음악 분야에 폭넓은 관심을 갖고 있으며 위촉 또는 초연한 작품들도 다수 녹음해 왔다.

로사 파소스,에그베르투 지스몬치,세자 까르고 마리아노 등과 함께 브라질 음악을 녹음한 “오브리가도 브라질”,바비 맥퍼린과 함께한 “허쉬”, “애팔래치아 왈츠”,그래미상 수상의 마크 오코너 및 에드가 마이어와의 “애팔래치아 여행”,그리고 피아졸라의 “탱고의 영혼” 등 크로스오버 음반은 커다란 성공을 거둔 바 있다.

요요 마가 최근 내놓은 앨범으로는 컴필레이션 음반인 “열정(Appassionato)”과 “새로운 불가능(New Impossibilities)”,“클로드 볼링 - 첼로와 재즈 피아노 트리오를 위한 모음곡”,“바흐 첼로 모음곡 전곡”,“요요 마가 연주한 엔리오 모리코네 음악(Yo-Yo Ma Plays Ennio Morricone)” 등이 있다.

2007년 7월에는 실크로드 앙상블,그리고 시카고 심포니 오케스트라와 함께 라이브 앨범을 녹음했다.

또한 그는 롭 마샬 감독의 영화 ‘게이샤의 추억’에서 사운드 트랙을 담당한 존 윌리엄스를 위해 영화음악 연주에 참여하기도 했다.

요요 마는 클래식 분야에서 베스트셀링 음반을 녹음하는 몇 안 되는 아티스트 중 한 사람이다.

요요 마는 젊은 관객과 교류를 나눌 뿐 아니라 그들이 직접 참여토록 하는 교육 프로그램을 만드는 데 특별한 노력을 기울이고 있다.

연주 여행을 하면서 가능할 때마다 마스터 클래스를 비롯하여 학생들을 위한 비공식 프로그램을 여는 데 시간을 할애하고 있다.

현재 요요 마는 아내 그리고 두 자녀와 함께 살고 있다.

그는 두 가지 첼로를 사용하고 있는데,베니스에서 만들어진 1733년산 몬태냐나 첼로와 1712년산 스트라디바리우스인 ‘다비도프’로 연주하고 있다.

첼리스트 야노슈 스타커는 일찍이 요요 마가 가진 예술적 깊이와 스타성에 대해 다음과 같은 이야기를 한 바 있다.

...“첼로는 피아노나 바이올린에 비해 레퍼토리가 현저히 적기 때문에 독주자로 성공하기가 매우 어려운 분야이다.

현존하는 첼리스트 가운데 로스트로포비치(현재 그는 세상을 떠남)와 요요 마 두 사람 정도가 첼로 독주자로만 활동해도 충분히 생을 영위할 수 있는 아티스트이다.

다른 사람들은 대개 교수로서 학생들을 가르치는 일을 병행하고 있다. 나 역시 마찬가지다.”...

그 자신도 위대한 첼리스트인 야노슈 스타커의 독백과도 같은 이 이야기는 오늘날 음악계에서 요요 마가 갖고 있는 위상을 분명하게 보여준다.

음악가에게 기본적으로 요구되는 음악적 깊이나 연주력은 말 할 것도 없거니와,요요 마는 음악이 얼마나 위대한 과업을 수행할 수 있는지를 온몸으로 보여주고 있는 음악가이다.

우선 그는 클래식 애호가들뿐 아니라 폭넓은 대중들의 지지를 받는 연주자다.

2004년에 그가 브라질의 뮤지션들과 함께한 음반 ‘오브리가도 브라질(Obrigado Brazil)’이 그래미상을 수상하면서 클래식 아티스트로서는 전례 없이 그래미상 15번째 수상이라는 기록을 수립했던 것이 이러한 사실을 뒷받침한다.

그리고 피아노나 바이올린에 비해 독주 레퍼토리가 현저하게 적은 첼로 분야에서 다양한 레퍼토리의 발굴과 새로운 시도를 통해 첼로 음악의 지평을 넓히고 있다.

또한 ‘실크로드 프로젝트’를 통해 세계를 음악이라는 이름 아래 하나로 묶는 야심 찬 작업을 해나가고 있다.

코피 아난 전 유엔 사무총장은 요요 마의 이러한 행적들을 지켜보며 그를 유엔 평화 대사로 위촉하기도 했다.

인간의 소리에 가장 가까운 소리를 내는 악기가 첼로라고 했다.

그 중에서도 첼로의 명반으로 꼽을수 있는 것이 바흐의 <무반주 첼로모음곡>일 것이다.

어렵기는 해도 바흐의 <무반주 첼로모음곡>은 첼리스트들이 평생 지침으로 삼아야 할 '음악의 성서'일 뿐만아니라 흐트러진 음악의 자아를 추스르는 '거울' 같은 작품이기도 하다.

두렵고 떨리는 마음 때문에 카잘스도 평생 단 한번만 전곡을 녹음했고,로스트로포비치도 칠순이 넘긴 후에야 전곡음반을 내놓았다.

지금까지 이 작품은 비올라,바순,클라리넷,마림바,호른.,플루트,리코더로 편곡되어 연주됐고 무용음악으로도 사용됐다.

최근 탱고와의 크로스오버로 인기를 끌고 있는 첼리스트 요요마가 지난 1984년에 이어 두번째로 <무반주 첼로 모음곡> 전곡음반을 내놓았다.

5년 간의 작업 끝에 CD와 비디오로 완성한 '바흐의 영감'은 해석,틀에 얽매이지 않는 유연성과 함께 연주자의 내면풍경이 더욱 강하게 느껴지는 연주를 통해 '낭만주의자 바흐' 의 모습을 느낄 수 있다.
그러나 1984년 발표한 바흐의 <무반주 첼로 모음곡>에 대해선 의견이 분분했다.

빠른 템포 설정으로 약동하는 ‘춤곡’의 의미를 되살려 낸 참신한 해석이라는 찬성파와 너무 가볍고 경박한 ‘미국적인’ 연주라는 반대파가 갈렸다.

1998년 출반된 재녹음은 다른 분야의 예술가와 영감을교류해 내놓은 작업이라는 점에서는 긍정적으로 보아줄 만하다.

전작에 비해서는 진지함이 보태졌으나 여전히 높은 완성도를 갖진 못한다는 평가를 얻고 있다.
그의 연주는 보편적으로 템포나 아티큘레이션을 생동감이 넘치는 쪽으로 잡아가는 편이다.

한편 감정도 풍부해 과장이 심하다는 비판도 많이 듣는다.

너무 일찍 신동으로 각광받았고,지명도만으로 볼 때는 이미 가장 유명하고 인기있는 첼리스트로서 자리를 굳혔다는 것이 오히려 마이너스 요인으로 작용하기도 한다.

봉구와탄노이 님의 블로그에서 발췌.
http://blog.daum.net/_blog/BlogView.do?blogid=0EjdV&articleno=10662655&categoryId=700383

여기서 부터는 개인적은 선호도가 딱히 갈리지 않으므로,
나열방식으로 소개를 하겠습니다 ^^

자클린느 뒤 프레

피에르 푸르니에

파블로 카잘스

이 곡이 세상에 알려질 수 있게끔 한 장본인
바하의 무반주 첼로 모음곡을 헌책방에서 발견하고 초연했다.
첼로의 역사에 있어서 한 획을 그었다고 봐도 무방한 사람이다.
'현대 첼로 연주의 아버지' 로 불린다.

일렉트릭 기타로 치자면, 지미 헨드릭스, 잉베이 맘스틴 과도 같은
메커니즘을 바꿔버린 시초랄까.

하인리히 쉬프

클래식은 흔히들 딱딱하고 고정된 틀에 갇혀 있다는 느낌을 받기 쉽다.
그러나 같은 악보, 같은 음을 가지고도 이렇게나 다른 작품이 나올 수 있다는 것이
클래식의 또 하나의 매력이 아닌가 한다.

다양한 연주자들의 다양한 해석. 청자들에게 있어선 진정으로 즐거운 시도들이 아닐 수 없다.

Quartet X - Chaconne(2005)

라이네나무 — Wed, 20 May 2009 01:41:22 +0900

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01. Magic Garden (마법의 정원-라벨)
02. Toccata & Fugue (토카타와 푸가-바흐)
03. The Age of Innocence (순수의 시대-번스타인)
04. Cinema Paradiso (시네마 천국-사랑의 테마)
05. Laputa, Castle in the Sky (천공의 성 라퓨타)
06. The Simpsons (심슨 가족)
07. Old Boy (올드보이-Mido's Theme)
08. Mononoke Hime (모노노케 히메)
09. Catch Me If You Can (캐치 미 이프 유 캔)
10. Love Affair (러브 어페어)
11. Il Postino (일 포스티노)
12. Por Una Cabeza (여인의 향기)
13. Air (G선상의 아리아-바흐)
14. Chaconne For String Quartet (샤콘느-바흐)

어렵지 않은 현악 4중주. 콰르텟 엑스

퍼스트 바이올린, 세컨 바이올린, 비올라, 첼로
현악 4중주의 구성으로 이루어진 그룹 콰르텟 엑스는 클래식 악기 또는 클래식 음악이 갖는 무거움에서 탈피해서
비교적 대중적인 곡 구성과 절묘한 편곡으로 많은 청자들을 흡수했다.

아래는 간단한 콰르텟 엑스의 소개.

콰르텟엑스는 2002년 9월 무대에 데뷔한 단체. 1 바이올린의 조윤범이 30세, 다른 세 멤버 김경연(제 2 바이올린) 김치국(비올라) 오새란(첼로)은 25~28세. 나이도 젊지만, 클래식 동네의 관행을 깨뜨리는 파격적 행보로 주목을 받아온 단체다. 출발부터 달랐다. 3년 간은 죽어라고 연습만 하자는 합의에 따라 결성된 지 2년 반이 지나서야 첫 공개 연주를 했다.

제목이 없는 현악사중주 곡에 '팝콘' '바이킹' 같은 기발한 제목을 달아 친근감을 꾀하거나 베토벤 현악사중주에서 아홉 곡을 골라 한 악장씩 뽑아 구성한 'B9' 프로젝트, 지하철 역에서 슈베르트의 '죽음과 소녀' 전악장을 연주하는 무모할 만큼 진지한 시도 등은 국내 어느 팀도 하지 않았던 일이다.

철저히 음악으로만 승부한다는 생각으로, 학력과 경력 같은 프로필조차 밝히지 않고 활동하는 이들은 무대에서 강렬한 에너지로 청중을 사로잡곤 한다. 아직 거칠다는 평도 있지만, 패기만만한 의욕과 못 말리는 열정, 대담한 프로그램으로 고정 팬을 늘려가고 있다.

이 앨범에서 클래식 레파토리는 마법의 정원, 토카타와 푸가, G선상의 아리아, 샤콘느가 있고
그 외의 곡들은 애니메이션과 영화음악이 주를 이룬다.
특히, 천공의 성 라퓨타나 올드보이 미도테마, 여인의 향기 등의 곡은 원곡도 무척 유명하지만
편곡버전도 상당히 퀄리티가 높아 원곡과 비교해가며 듣는 재미가 쏠쏠하다.

Cinema Paradiso (시네마 천국-사랑의 테마)

전남대의대생들과 함께 한 무대.
앞부분은 이런저런 말을 주고받으니 3분정도부터 보시면 될듯합니다.
처음은 무척이나 좋은데 뒤로 갈수록 조금 안맞는 느낌은 있다.
그래도 노래가 워낙 좋으니^^

사족
클래식쪽이나 이쪽은 아는게 많이 없어서 아무래도 포스트 내용이 짧아지는 결과가....ㅜㅜ

Mr.Big - Lean Into It(1991)

라이네나무 — Tue, 19 May 2009 01:01:37 +0900

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01.Daddy,Brother,Lover,Little Boy
02.Alive And Kickin'
03.Green-Tinted Sixties Mind
04.Cdff-Lucky This Time
05.Voodoo Kiss
06.Never Say Never
07.Just Take My Heart
08.My Kinda Woman
09.A Little Too Loose
10.Road To Ruin
11.To Be With You

우리도 엘리트스러움으로는 어디가서 안꿀리는데...

일전에 드림씨어터 관련 포스팅을 하면서 그들을 최강 엘리트그룹이라고 소개한 적이 있었다.
뭐 그에 필적하는 초 엘리트그룹이 여기 하나 더 있다.

데뷔 앨범 1번트랙부터 엄청난 기교를 보이며 화려하게 등장한 Mr.Big이 바로 그들인데,

결성되기 전부터 어느정도 네임밸류가 있었던 각 멤버들을 끌어모은건
이들의 중심이 되어주는 빌리 시헌(Bass)이었다.

그를 중심으로 에릭마틴(Vocal), 폴 길버트(Guitar), 펫 토피(Drum) 가 뭉친다.
특히 보컬인 에릭마틴은 음색자체가 락음악과는 상당히 거리가 멀다고 느낄만큼 부드럽고 좋은데
실제로 그는 자신의 솔로앨범에서 소울음악을 주로 하곤했다.

밴드의 중심 빌리시헌은 스티브바이(Steve Vai)의 세션 베이시스트로 참가할만큼 인지도가 있으며
부산 락페스티벌 스티브바이 초청때 부산에 와서 열연을 하기도 했다.
특히 그는 베이스 연주라고는 믿기 힘들정도의 속주로 유명한데,
앨범 곳곳에서 폴길버트와의 유니즌플레이 혹은 솔로 배틀로 결코 폴의 속주에 뒤지지 않는 속도를 보여
듣는이들로 하여금, 경악을 금치 못하게 했다.

폴 길버트는 우리나라와 일본에서 특히 인기가 많은 기타리스트로
현재는 일본을 중점적으로 해서 솔로로 활동하고 있는 것으로 알고 있다.
굉장한 속주기타리스트며, 장신에, 긴손가락(특히 새끼손가락 -_-)이 유명하다.

드러머 팻토피는 상대적으로 다른멤버들에 비해 무게감이 좀 떨어지기는 하지만
이쪽 세계에서는 꽤나 이름날렸다고들 한다.

이 앨범은 그들의 최고 히트앨범으로 손꼽히는 2집앨범으로
밴드 최고의 발라드로 꼽히는 To Be With You와 Just Take My Heart
드릴에 피크를 결합하여 유니즌 솔로를 보여주는 Daddy, Brother, Lover, Little Boy
라이트핸드주법으로 시작하는 Green-Tinted Sixties Mind 등이 특히 인기를 끌었다.

Daddy, Brother, Lover, Little Boy(Live)
젊은 그들의 모습이 참으로 인상깊다.
역시 드릴이 빠지면 허전한 곡!

Voodoo Kiss(Live)
원곡 들어가기 전의 그들의 애드립이 꽤나 재밌다
에릭마틴 음색은 정말 'ㅅ')b 굿이다.

To Be With You
상당히 넓은 팬층을 확보하게 만든 최1등 공신
바로 이곡이다!
그들의 발라드넘버 최고의 곡이자,
많은 여인네들을 울렸던곡.

이곡의 원곡이 에릭마틴이 어린시절
옆집누나의 실연을 위로하기 위해 만든노래라고 하니
잘생기고 노래 잘하는 사람이 배려심까지...
작업은 아무나 거는게 아닌듯하다 ^^

사족1.
락음악이라고 말하기 좀 그럴만큼 이들의 음악은 거칠지도 않고 시끄럽지도 않은 그냥 좋은(!) 음악이다. 특히 여성팬도 꽤나 많았던 그룹인 만큼 부담없이 들어보기에 좋은 밴드인것만큼은 확실하다.

사족2.
Daddy..... 때문에 기타를 배워야겠다고 마음먹은 필자는 이곡을 들을때 마다 그때 생각이 가끔 나곤 한다. 그때만 해도 패기가 넘치던 때였는데...

Scorpions - Hurricane 2000(With Berlin Philharmonic)

라이네나무 — Sat, 16 May 2009 13:31:11 +0900

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스콜피온스
우리나라에서는 Still Loving You, Holiday 등이 인기를 끌었다.
특히, 필자의 어린시절
독일의 대표격인 이 밴드를 전혀 모르는 시절에
이재수라는 사람이 나와서 이들의 Still Loving You를 부르는 모습에
대체, 무슨 노래를 저따위로 부를까 하며 들었던 그 노래가
세기의 명곡을 처음 접하게 된 계기였다.

이들하면 떠오르는 곡이 하나 더 있다.
바로 Hurricane 2000!

이 곡은 티비광고등에서도 자주 나오고 여러 이벤트 장소 등에서도 쓰여
누구 노래인지, 어떤의미를 가지는진 전혀 모를지라도
들으면 누구나 아~ 이노래? 할만큼의 인지도를 가진 곡이다.

Rock You Like A Hurricane(M/V)

원곡 되시겠다.
아주 촌스러운 뮤직비디오와 다소 허전한 사운드가 눈에띈다.
역시 스콜피온스의 상징격인 클라우스마이네의 독특한 음색은 빛을 발한다.

Hurricane 2000(With Berlin Philharmonic)

기타배킹 부분에 조금씩 비는 부분을 너무나도 훌륭하게 메워주고 있는 오케스트라
사운드가 어디하나 비지 않고 완벽하게 조화를 이루며
두 개의 상극이 맞물려서 내는 이 음악은 그야말로 환상이다.

락밴드와 오케스트라의 조합.
어떻게 보면 완전 상극이다.
그야 말로, 전통적인 음악계의 엘리트 그룹이 오케스트라 라면 락밴드는 어디서 침좀뱉고 놀던 놈들이 모여서 만든
양아치 집단 정도로 평가되는 것이 사실.

필자가 고등학교때 밴드를 하면서 가장 많이 들었던 소리가 바로
'딴따라'였다.

여튼 이렇게 동서를 막론하고 그 이미지는 어느정도 기정 사실화 되있는 것이고,

이 조합이 더욱더 의미를 가지는 것은
바로 베를린 필하모닉!!
국내에는 카라얀이 종신 상임지휘자로 있었던 오케스트라로도 유명하다.

세계 최고의 오케스트라 중 하나로 꼽히는 베를린 필하모닉 오케스트라(Berlin Philharmonic Orchestra)는 그 시작부터 지금까지 민주적인 자치제도로 운영되고 있어서 지금도 상임 지휘자, 오케스트라 매니저, 오케스트라 단원을 모두 단원들의 투표에 의해 선정한다. 선정된 단원은 1년간의 수습 기간을 거친 뒤에 정단원이 되며, 10년간 일한 단원은 연금 혜택을 받는다. 베를린 필은 1년에 약 100회의 콘서트를 하는데 외국 연주도 많이 한다. 운영은 콘서트 티켓 판매, 음반 녹음, 방송 등을 통해 얻는 수입으로 충당한다.

현재 총 114명의 멤버로 구성된 베를린 필하모닉은 그 속에 작은 단위로 활동하는 악단이 포함되어 있다. 2002년 우리나라 예술의 전당에서 붉은 악마 티셔츠를 입고 연주하여 화제가 된 '12 필하모닉 첼리스트'(Twelve Philharmonic Cellists)를 비롯하여 브란디스 쿼텟(Brandis String Quartet), 웨스트팔리안 쿼텟(Westphalian String Quartet), 필하모닉 옥텟(Philharmonic Octet) 등도 들어있다. 또 몇 멤버들은 빈 필하모닉의 멤버들과 비정기적으로 빈-베를린 앙상블을 만들어 활동한다.

베를린 필하모닉은 1862년 벤야민 빌제(Benjamin Bilse)가 만든 빌제의 악단(Bilsesche Kapelle)이 그 시작이다. 처음 50명으로 구성된 이 악단은 대단한 인기 속에서 20년간 약 3천 번의 콘서트를 했으나 재정 문제와 지도력 부족으로 어려움을 겪었다. 1882년 폴란드 공연을 하면서 단원들은 빌제에게 불만이 커졌다. 기차 좌석은 약속했던 3등칸이 아니라 4등칸이었고 보수도 깎였다. 이에 대해 단원들은 계약 만기일이던 4월 30일 전까지 보상할 것을 요구했으나 지켜지지 않았다.

결국 45명의 단원이 빌제에게서 떨어져 나와 5월 1일 '베를린 필하모닉 오케스트라'(Berliner Philharmonisches Orchester)라는 새로운 이름의 자치단체를 결성하였고 당시 루빈스타인과 한스 폰 뷜로우를 데리고 흥행하던 에이전트 헤르만 볼프(Hermann Wolff)에게 찾아가서 '몸을 맡기고' 1882년 9월 17일 바그너의 '마이스터징어' 서곡으로 첫 연주를 시작했다. 당시는 음악회에서 가벼운 식사를 주는 것이 관례였고 관객들은 식사하면서 연주를 감상했다. 그러나 베를린 필은 식사를 주지않았다. '음악에 집중하라'는 표어를 내걸었지만 실제는 돈이 부족했기 때문이었다. 헤르만 볼프가 재정과 운영을 맡기는 했으나 초기에는 그만큼 어려움이 많았다. 순회공연을 갔던 호텔에서 화재가 발생하여 악기가 모두 타버리기도 했고 수입도 형편없었다. 그 시기에 지휘를 맡았던 루드비히 폰 브레너(Ludwig von Brenner)는 힘들게 이 단체를 음악적으로 통합하였다. 그러나 베를린 필의 본 모습이 아직 나오지 않고 있었다.

진짜 베를린 필의 시작은 초대 상임 지휘자로 꼽히는 한스 폰 뷜로우(Hans von Bulow) 부터다. 뷜로우는 재능있는 피아니스트로 리스트에게 인정 받았으며 차이코프스키의 피아노 협주곡 1번을 미국에서 초연했다. 그러나 스승이자 대선배인 바그너를 만나면서 피아노를 떠나 지휘자라는 '딴 길'을 걷게 됐다. 결국 그는 바그너 작품의 지휘를 하게 됐지만 그 대신 바그너에게 부인 코지마(Cosima)를 뺏겼다.

그런 상태로 뮌헨을 떠난 뒤의 뷜로우는 마이닝겐 궁정극장의 음악감독을 맡은 채 가끔 유럽과 미국까지 다니면서 오직 음악에만 정열을 쏟았다. 마침 그의 에이전트를 하던 볼프는 손에 들어온 베를린 필의 전권을 뷜로우에게 맡겼고 두 사람은 배짱 좋게 고집스런 음악을 시작했다. 당시 독일에서 가장 혁신적으로 꼽히던 '혁명 지휘자' 뷜로우는 1887년 상임 지휘자가 된 후 5년간 고전주의와 낭만주의 작품을 택하여 음악의 수준을 최고로 올려놓았다. 뷜로우는 협주곡을 포함한 모든 '달콤한 음악'은 과감히 내던지고 모차르트와 베토벤에서 현대에 이르는 교향곡만 연주했다. 보통 하루 저녁에 교향곡 세 편을 연주했는데, 한 번은 베토벤 9번 연주에 대해 관객 반응이 시원치 않다고 '객석의 출입문을 다 잠그고' 다시 한 번 연주한 적도 있었다. 뷜로우는 그는 당시 브람스, 그리그 등과 교류하며 차이코프스키, 말러, 리하르트 쉬트라우스 등을 객원 지휘자로 초대하여 (원래 롤러 스케이트장을 개조하여 만든) 베를린 필하모닉의 연주회장을 진정한 예술의 전당으로 바꾸었다. 1892년 뷜로우가 건강이 나빠 은퇴하고 2년 뒤 사망했을 때 베를린 필하모닉은 그의 장례식에서 연주했다.

한스 폰 뷜로우가 떠난 뒤, 헤르만 볼프는 그 후 7년간 한스 리히터(Hans Richter), 리하르트 쉬트라우스(Richard Strauss) 등 여러 유명 지휘자들을 초대하더니 1895년에야 헝가리 출신의 아르투르 니키쉬(Arthur Nikisch)를 상임 지휘자로 선정했다. 성격도 차분하고 지휘봉을 거의 움직이지 않는 '조용한 지휘자' 니키쉬는 베를린 필하모닉과 함께 낭만주의 작품들을 연주하며 그 서정성을 잘 표현하여 명성을 더욱 높였고 레퍼토리도 넓혔다. 브루크너, 차이코프스키, 베를리오즈, 리스트 등과 교류하면서 당시로는 혁신적이던 리하르트 쉬트라우스와 말러의 작품도 연주했다. 초대한 독주자 중에는 부소니(Ferruccio Busoni), 바카우스(Wilhelm Backhaus), 카잘스(Pablo Casals), 하이페츠(Jascha Heifetz) 등도 있다. 니키쉬는 27년간이나 베를린 필을 이끌다가 1922년 사망했다.

니키쉬가 사망한 1922년 그 뒤를 이어 지휘봉을 받게 된 것은 베를린 출신의 빌헬름 푸르트벵글러(Wilhelm Furtw ngler)였다. '불같은 열정의 지휘자' 푸르트벵글러는 니키쉬의 전통을 따라 낭만주의 작품들에 주력하면서 정치적으로는 제 1차 세계대전과 바이마르 시대, 음악적으로는 후기낭만파와 아방가르드의 갈등 시대를 넘어갔다. 푸르트벵글러는 주로 베토벤, 브람스, 슈베르트, 리하르트 쉬트라우스의 작품들을 연주했으며 특히 베토벤의 '영웅' 교향곡의 독특한 해석은 큰 찬사를 받았다. 그리면서 드뷔시, 스트라빈스키, 프로코피에프, 쇤베르크의 작품에도 정성을 들였다. 그의 재임기간 동안 베를린 필은 많은 순회 연주를 했고 브루노 발터(Bruno Walter), 오스카 프리트(Oskar Fried), 오토 클렘페러(Otto Klemperer) 같은 지휘자들을 초대하였다. 뛰어난 솔로이스트 초대도 아주 활발하여 파울 힌데미트(Paul Hindemith)도 협연했고 예후디 메뉴인(Yehudi Menuhin)은 12살에 베를린 필하모닉과 협연하며 음악계에 데뷔하였다.

1929년부터 시작된 경제공황이 세계를 휩쓸던 어려운 시기에 베를린 필하모닉이 살아남을 수 있었던 것은 베를린 시, 독일 정부, 베를린 라디오 방송국의 후원 덕분이었다. 그러나 히틀러가 집권하면서 문제는 더 복잡해졌다. 푸르트벵글러는 공개적으로 힌데미트를 두둔하여 나치의 선전장관 괴벨스(Goebbels)와 마찰을 빚었고 그 결과 상임지휘자 자리에서 물러나게 되었다. 그러나 그가 1935년 다시 지휘대에 서게 된 것은 정치와의 싸움에서 예술이 승리한 사례로 꼽힌다.

베를린 필의 더 어려운 시련은 1944년부터 찾아왔다. 1월의 폭격으로 연주회장이 파괴된 상태에서도 베를린 필하모닉은 다른 장소를 빌려서 연주를 계속했다. 베를린이 함락된 것은 1945년 4월 말이었는데 베를린 필하모닉은 나치 치하의 4월에도 연주회를 했고 연합군 치하의 5월에도 연주회를 했다. 이 어려운 시기에 단원들을 모아 두 음악회의 지휘를 맡았던 것은 모스크바에서 출생한 독일인 레오 보샤르트(Leo Borchard)로 알려졌다. 1945년 푸르트벵글러가 나치동조 죄로 억류되자 5월에 보샤르트가 상임지휘자로 지명되었다. 그러나 8월 23일 베를린의 한 검문소에서 운전사가 정지 신호를 무시하는 바람에 미군 병사의 총격을 받아 보샤르트는 사망하였다.

푸르트벵글러가 구금되고 보샤르트가 죽자 다음 지휘자로 선정된 것은 루마니아 출신의 33세 청년 세르기우 첼리비다케(Sergiu Celibidache)였다. 이때 첼리비다케와 함께 물망에 올랐던 것이 바로 헤르베르트 폰 카라얀((Herbert von Karajan)이었다. 그러나 푸르트벵글러는 카라얀을 무척 견제했으며 그 때문에 첼리비다케를 선호했다고 한다. 울름과 아헨의 오페라하우스를 거쳐 빈 필, 암스테르담 콘체르트헤보, 베를린 국립 오케스트라 등을 지휘하며 무섭게 성장한 신예 카라얀이 자신과 동등하게 취급되는 것을 푸르트벵글러는 참을 수 없는 자존심의 상처로 받아들인 것이다. 카라얀을 제치고 지휘봉을 잡은 '괴팍한 지휘자' 첼리비다케는 히틀러 시대에 단절되었던 외국 음악인들과 활발하게 교류하고 그동안 금지되었던 현대작품들을 많이 연주하여 찬사를 받았으며 외국 순회연주도 시작했다. 1947년 푸르트벵글러가 석방된 뒤로 두 사람은 함께 베를린 필하모닉을 지휘했다. 그런데 첼리비다케는 중요한 수입원인 녹음을 못하도록 거부했고 또 폭군적이고 완벽주의 성향으로 단원들에게 복종을 요구했으며 맘에 들지 않는 단원에게 폭언도 서슴치 않아서 단원들로부터 신임을 잃었다고 한다.

1954년 푸르트벵글러가 사망하자, 첼리비다케의 놀라운 지휘 능력에도 불구하고, 베를린 필하모닉 단원들은 1955년 헤르베르트 폰 카라얀(Herbert von Karajan)을 상임지휘자로 선정했다. 빈과 런던의 오케스트라를 지휘하면서 얻은 카라얀의 명성 때문이기도 했지만 그가 음반 녹음에 대해 적극적이었기 때문이다. 폴 로빈슨이 쓴 카라얀 전기를 보면 1955년 베를린 필 단원들은 미국 순회연주를 위한 지휘자로 카라얀을 최우선으로 뽑았다고 한다. 그러자 카라얀은 이를 수락하면서 '그 대신 나를 종신 상임 지휘자로 선발해 달라'고 조건을 달았다는 것이다. 그런 거래(?)에 의해 순회연주를 다녀 온 뒤 카라얀은 정식으로 상임 지휘자가 됐다고 한다.

'황제 지휘자' 카라얀의 길고 화려한 재임기간 중 베를린 필하모닉은 고전주의와 낭만주의 작품을 근간으로 하면서도 주요 20세기 작품들을 빠트리지 않았고 매 시즌 중 다섯 번의 콘서트는 20세기 작품으로 연주하며 10여 편의 현대 작품들을 초연하였다. 카라얀과 함께 순회공연과 음반을 녹음하면서 베를린 필하모닉은 세계적 명성과 베를린 필하모니커(Berliner Philharmoniker)라는 애칭도 얻었다. 새 연주회장도 지었다. 1963년 베를린 브란덴부르크 문 근처에 세워진 켐퍼플라츠의 필하모닉 홀(Philharmonie on Kemperplatz)은 건축가 한스 샤로운(Hans Scharoun)이 디자인한 것으로 좌석 2천 석에 인상적인 슈케(Schuke) 오르간까지 설치되었으며 1987년에는 챔버 뮤직홀이 증축되었다.

카라얀과 베를린 필의 사이가 틀어지게 된 결정적인 계기는 1982년 여성 클라리넷 주자 자비네 마이어 사건 때문이다. 카라얀은 최초로 이 여성 주자를 정식 단원으로 뽑자고 했으나 보수성향이 강한 단원들은 이에 반발하였다. 화가 난 카라얀은 '종신 상임 지휘자의 역할을 수행하되 녹음을 비롯한 수익 사업에서 완전히 손을 떼겠다'는 폭탄선언을 했다. 1년간의 수습으로 자비네 마이어를 활용하는 것으로 타협을 보았지만 카라얀과 단원들 사이에는 씻을 수 없는 상처가 남았다.

35년 가까이 베를린 필하모닉을 이끈 카라얀이 1989년 지휘대에서 내려와 세상을 떠나자 지휘봉은 그 해에 이탈리아 출신의 클라우디오 아바도(Claudio Abbado)로 넘어갔다. 아바도는 전통적인 고전 낭만 작품들과 함께 20세기 작품을 더 많이 연주하였고 '파우스트', '고대 그리스 드라마', '셰익스피어' 등 주제가 있는 콘서트를 시작했으며 처음으로 오페라도 콘서트에 포함시켰다. 아바도 시기에 유럽의 클래식 유행 중 하나는 원전악기와 정격연주였다. 이것은 통상적인 연주에서 벗어나 작곡가의 의도와 작품 자체에 더욱 접근하려는 시도였다. 이런 움직임은 아바도에게 영향을 주었고 베를린 필은 작품에 대해 더 세밀하게 분석하고 그에 맞는 연주법을 찾아내어야 했다.

12년을 이끈 아바도에 이어 2002년 베를린 필하모닉의 지휘봉을 잡도록 선정된 것은 영국 출신의 사이먼 래틀 경(Sir Simon Rattle)이다. 오케스트라를 철저히 통제하여 좀 더 세밀한 음악을 표현한다는 사이먼 래틀이 120년의 역사와 전통을 가진 베를린 필하모닉과 어떤 관계 속에서 어떤 음악을 들려줄 지는 세계의 모든 음악 팬들이 궁금하게 기다리고 있다.

이런 세계 최고의 엘리트집단이 나쁘게 얘기하면 양아치 딴따라 음악을 하는 그들과 결합해서 이런 명곡을 만들어냈으니
어찌 의미를 두지 않을 수 있으랴.

Rock계에서 오케스트라와 밴드의 결합은 종종 있어왔지만,
이 곡만큼 조화가 절묘하게 이루어진 곡은 찾아보기 힘들다는게 기정사실화 되어있다.
메탈의 제왕 Metallica도 시도했으나 썩 좋은 반응을 얻지 못했었던게 바로 락과 클래식의 만남인 것이다.

이런 의미를 제쳐놓고서라도 음악자체가 너무 좋아서 인정할 수 밖에 없는 곡이다.

무반주첼로조곡 1번 中 Prelude + Libertango

라이네나무 — Sat, 16 May 2009 01:00:00 +0900

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Suites for Cello Solo No1 in G major BWV 1007 中 Prelude

정식명칭인듯하다!
정말로 유명한 곡
현재 제 컬러링이기도 합죠.

Libertango(YoYo-Ma Ver.)

이곡은 베토벤바이러스덕에 무척이나 유명해져버린곡이다.
원곡은 Piazzola곡이지만, 요요마씨가 멋드러지게 연주한버전도 많은 인기를 얻고있다.
베바에서 정희연씨(첼로역으로 나온 극중 아주머니 이름)의 연주로
많은 사람들의 머리 속에 기억되고 있을 곡이다.

아무래도 첼로곡들에 눈이 가는것은 어쩔수가 없나보다.
비도 추적추적 오는 밤에 들으면 정말로 좋은 곡들이다.
리베르탱고는 흥겨운 맛으로,
무반주 첼로조곡은 첼로 특유의 아름다운 소리로 마음을 달래주는 맛으로.

세상엔 좋은음악이 너무나도 많다.

Mozart - 아이네 클라이네 나흐트 무지크

라이네나무 — Fri, 15 May 2009 01:40:55 +0900

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제 동기2명과 선배 한분이 오케스트라에 들어간답니다.
아마추어 오케스트라.
지휘자분이 부산시향에서 콘트라베이스 부수석까지 역임하신 분이더군요.

저, 해본거라곤 노래 좀 불러본거랑 기타좀 쳐본거뿐입니다.
밴드음악하면서 많이 행복하고 즐거웠던 그 기억때문인지,
도저히 이 기회를 놓쳐선 안되겠단 생각이 들어...

대뜸 한번도 구경해본적도 없는 첼로를 배우겠다고 선언하고는
찾아가버렸습니다. 가서 얼굴도장좀 찍고 얘기를 나눴지요.
이번주 토요일에 첼로 전공자분이 오신다는데 레슨도 한다는군요.

전 이제 어쩌면 클래식음악에 한동안 빠져서 헤어나오지 못할지도 모르겠습니다.

이곡은 너무너무너무너무 말로하기에도 부끄러울만큼 유명한
모짜르트의 아이네 클라이네 나흐트 무지크 입니다.

이곡도 한대요. 단원들 실력이 늘면요.
왠지 제 주변에서 돌아가는 이 상황이 그냥
정말로 드라마 베토벤 바이러스를 보는듯한 기분이 들어 웃기기도 하고 설레기도 하네요.

잉여들의 멋진반란을 꿈꾸고 있답니다.

John Mayer - Room For Squares(2001)

라이네나무 — Thu, 14 May 2009 02:06:03 +0900

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01. No Such Thing
02. Why Georgia
03. My Stupid Mouth
04. Your Body Is A Wonderland
05. Neon
06. City Love
07. 83
08. 3X5
09. Love Song For No One
10. Back To You
11. Great Indoors
12. Not Myself
13. Hidden Track
14. St. Patrick's Day

섹시한 보이스와 어쿠스틱 사운드의 만남

이번엔 존 메이어다.
언제부턴가 한번 포스팅을 해야지 해야지 벼르고 있던 뮤지션인데,
비교적 최근에 노래위주로만 듣다보니 아는게 많이 없어 포스팅이 꺼려지던 뮤지션이기도 하다.

아는게 없으므로 아는척 하다간 무식함이 까발려지는건 한순간이니
최대한 주관적인 느낌으로 소개를 하자면,

정말로 섹시한 보이스의 소유자가 포크를 기반으로 둔 음악을 한다. 정도로 요약할 수 있겠다.
물론 Continuum 앨범이나 Heavier Things 앨범 같이 앨범이 나올수록
일렉트릭쪽 사운드를 자유롭게 구사하는 모습도 보이지만,

이 앨범에서는 어쿠스틱사운드를 기반으로 한 포크계통 음악이 많은것은 사실이다.
대표적으로 No Such Thing, Why Georgia, My Stupid Mouth, 83 등 꽤 많은곡이 통기타 사운드로 채워져있다.

빠른속도로 넓은 팬층을 확보해가고 있는 팝의 아이콘

2009   제51회 그래미 어워즈 최우수 남자 팝 보컬상, 최우수 솔로 록 보컬상
2007   제49회 그래미 어워드 최우수 남성 팝 보컬상
2005   제47회 그래미 어워드 최우수 남성 팝 보컬상

2년 단위로 최우수 남성 팝보컬상을 받고 있다.
상복이 정말 많은 청년이다. 노래를 들어보면 알겠지만, 목소리가 정말 섹시하다.
싱어송라이터지만 보컬이 가장 눈에 띄는 것은 어쩔 수 없다. (보통 싱어송라이터하면 그 음악적 지식과 능력 등에 비중을 많이 두는것에 반해서)

얼마전까지만 해도 제니퍼 애니스톤의 남자친구 였는데, 지금은 헤어졌다고 들었다.
아직도 교제하고 있었다면 정말이지, 부러움에 열등감이 폭발했을지도 모른다.

무겁지도 않고 가볍지도 않은, 듣기에 부담없고 깔끔한 음악을 하는 John Mayer음악 한번 들어보시라.

83(Live)
첫 부분이 인상적이다.
여성팬들이 많은것도 눈에 띈다.

Your Body Is A Wonderland
이게 라이브인지 아닌지 분간 하기 힘들긴 한데
왠지 라이브같은 느낌이 들긴 들지만....
어쨌든 거의 원곡에 가까운 라이브다.
John의 노래중에서 인지도로 치자면 3손가락 안에 들어갈 정도의 곡이다.

Neon(Acoustic Ver. Live)
어쿠스틱버전으로 연주하는 쟌~
꽤나 색다르다. 허전하긴 하지만 그의 실력은 유감없이 발휘되는 영상!