뻔씨네

<솔트>평균 정도는 해주지만, 그렇기에 아쉽던 영화

haku — Sat, 31 Jul 2010 09:28:27 +0900

폭 넓은 스펙트럼을 자랑하는 여배우 안젤리나 졸리

헐리우드에서 안젤리나 졸리가 가진 존재감은 다른 여배우들과 상당한 차이가 있다. 그 차이가 크게 느껴지는 요인은 영화 캐릭터의 스펙트럼이 다른 여배우들과 비교가 안되게 크다는 사실 때문이다. 연기력이야 <처음 만나는 자유>를 통해 아카데미 여우조연상을 수상했을 만큼 이미 검증이 된 상태이며, 다른 출연작인 <식스티 세컨즈>, <본 컬렉터>, <알렉산더>, <마이티 하트>, <체인질링>, <월드 오브 투모로우> 등 출연 영화의 면면을 보면 폭넓은 장르에서 다양한 역할을 소화했음을 알 수 있다. 게다가 애니메이션 더빙에서도 맹활약을 해서 <베오 울프>, <샤크 테일>, <쿵푸 팬더> 등에서 특유의 카리스마 넘치는 목소리를 선보였다.

그러나 안젤리나 졸리가 다른 여배우들과 차별화 되는 큰 부분은 바로 '액션'이다. 액션이 가능한 배우라는 점이 작은 규모의 영화부터 대형 블록버스터까지, 드라마, 멜로, 액션 등 다양한 캐릭터를 소화할 수 있는, 희소성 있는 배우로 만들어 주었다.

단독 주연으로 기대를 가지게 만드는 액션 아이콘 안젤리나 졸리의 출발은 아마도 <툼 레이더>였을 것이고, <미스터 & 미세스 스미스>가 중간이었다면, 그녀를 액션 아이콘의 최고 위치에 올라서게 한 작품은 <원티드>일 것이다. 날아오는 총알도 휘어지게 만들 것 같았던 엄청난 카리스마를 관객에게 각인시켰던 <원티드>. 이후 졸리는 여배우로서는 독보적이라 할 수준의 액션 아이콘이 되었고, 남자 배우들과 자웅을 겨룰 수준에 이르렀다.

스릴러적인 재미는 버리고, 액션적인 재미만 추구

<솔트>의 핵심은 '그녀는 누구인가?'라는 정체 문제다. 취조 중인 러시아 정보원에게 이중첩자로 지목 당한 CIA 요원 에블린 솔트(안젤리나 졸리). 러시아 정보원은 그녀가 미국을 방문 중인 러시아 대통령을 암살할 것이라고 예고한다. 이것을 장르적으로 활용하는 방법은 두 가지 정도. 스릴러로 활용할 것인가, 아니면 액션으로 활용할 것인가. 정체에 무게를 두고 이야기를 전개한다면 스릴러 장르가 될 것이고, 탈출을 한다거나 작전을 만드는 식의 '활약'에 무게를 둔다면 액션 장르가 된다.

그러나 <솔트>는 액션 아이콘으로의 졸리를 너무나 쓰고 싶었던 조급증이었던 걸까? 스릴러적인 재미를 너무 일찍 버리는 선택을 했다. 의문을 활용하는 것은 초반부 정도이며 중반부터는 철저하게 액션 장르로서 재미만 추구한다. 문제는 '정체'에서 '활약'으로 이야기의 중심이 옮겨지면서, 소멸된 분량만큼의 스럴러적인 매력을 액션으로 채우려고 했으나 그것이 미흡하다는 점이다. 조금 식상스럽던 단순한 플롯(영화가 다룬 소재 자체가 조금 시대착오 적이기도 했다) 속에서 <다이하드>식의 '죽도록 고생하기'를 졸리 버전으로 보여줄 뿐이다.

졸리에게 기대기만 하는 영화

안젤리나 졸리는 본드걸을 하느니 스스로 본드를 하겠다고 할 만큼 액션 아이콘으로서 자신감이 대단한 배우다. 그러나 그녀를 전면에 내세운 <솔트>는 기대를 충족시켜 주지 못한, 기대 이하의 영화다. 물론 전형적인 헐리우드 오락물의 범주에서 본다면 일정 정도의 재미는 충분히 주는 영화다. 첩보물과 스릴러를 혼합한 장르에, 졸리를 적극적으로 활용한 액션 장면의 보는 재미는 분명 있으니까.

영화의 포인트인 졸리가 나온다는 점은 가산점을 주는 요소이며 동시에 평가의 기준이기도 하다. 기존의 졸리가 보여준 캐릭터 군에서 얼마나 발전하고, 흥미로운지가 관객들의 만족도와 판단의 중요한 잣대가 된다. 그러나 영화는 너무나 한계에 머물러 있다. 졸리에게 무엇을 보여주길 기대하는 모습이지, 그녀를 매력적인 캐릭터로 만들어 주는 모습이 아니었다. 바꾸어 말하면 전에 보여준 캐릭터를 손쉽게 활용하기만 했으며, 이야기나 소재가 매력을 주질 못했다. 졸리가 카리스마를 덧칠했기에 집중력이 일정 수준 살아났지, 여타의 배우였다면 솔직히 하품이 나올 수준이다.

이번에는 아쉬웠지만, 다음을 기대해 본다

<솔트>는 안젤리나 졸리를 좋아하는 분이거나 적당한 수준의 헐리우드 여름 액션 영화를 보고자 하는 분에게는 무난한 선택일 될 것이다. 그러나 아쉽게도 졸리의 필모에서 우리의 기억에 남을 정도의(오래 사랑 받을 정도의) 영화가 될 확률은 희박하다. 평균 정도는 해주었지만, 평균을 기대한 것이 아니기에 아쉽다.

<솔트>의 부족한 완성도로 인해 졸리의 존재감이 퇴색할 것이란 생각은 안 들지만, 앞으로 졸리의 행보가 조금 우려스럽긴 하다. 왜냐하면 졸리가 액션을 하는 데 처음으로 버겁다는 느낌이 들었던 탓이다. 극 중 달리는 장면에서 버겁다는 느낌이 든 것은 나만의 착각일까? (사실 아이 셋을 출산한, 30대 후반을 향해 가는 여배우에게 20대에 보여준 연기를 기대하는 것이 무리이긴 하다)

우리 시대의 최고의 여배우 중 하나인 안젤리나 졸리. 이번 영화는 아쉬웠지만, <툼 레이더>에서 보여준 졸리의 매력을 잊지 못하기에 다음을 기대해본다. 하지만 <솔트> 속편은 자제 요망!

*원래 <솔트>의 주인공은 톰 크루즈 였다고 한다. 그런데 개인적인 이유로 하차하고, 안젤리나 졸리가 프로젝트에 관심을 가지게 되면서 전체적인 시나리오를 수정하여 '에드윈 솔트'를 '에블린 솔트'로 바꾸었다고 한다. 톰 크루즈 버전의 영화는 어땠을까 궁금하다.

*초반부에 북한 장면이 나오는데 요즘 미국에서 북한을 바라보는 우려의 시각이 그대로 드러난 아닐까 싶다. 예전의 작품들보다 북한군의 발음이 좋아지기는 했지만, 보면서 민망한 것은 여전했다.

★★

*2010년7월29일 개봉

<고사 두 번째 이야기: 교생실습>세 번째 이야기는 안 나올 거라 믿는다

haku — Sat, 24 Jul 2010 09:54:27 +0900

1999년 <여고괴담>, 2004년 <쏘우>, 그리고 2008년 <고사 - 피의 중간고사>

근래 10여 년 사이에 개봉한 한국 영화 중에서 가장 중요한 한국 영화를 꼽으라면 난 주저 없이 <쉬리>를 꼽고 싶다. 1999년에 개봉한 <쉬리>는 <쉬리> 이전과 이후로 구별될 정도로 큰 영향력을 준 영화다. 한국 영화의 경쟁력이란 부분, 간단히 말해서 자신감을 주었던 작품. 그것은 헐리우드와는 다른 우리 만의 무엇을 보여줄 수 있고, 그것이 관객들에게 먹혀들 수 있다라는 자신감의 표출이었다.

그럼 범위를 좁혀 보겠다. 공포 영화에서 중요한 영화는 무엇이 있을까? 두 말 할 필요 없이 <여고괴담>이다. 과거 일정 숫자의 작품이 나왔었지만 90년대 명맥이 끊겨 버린(중간에 <구미호>가 나오긴 했지만 그건 기술적으로 접근한 영화라고 생각한다) 한국 공포 영화. 이런 암흑기에 일본 소재의 차용 이란 태생의 문제점을 갖고는 있었지만, 관객의 반향을 불러 일으켜서 공포 영화의 부흥을 일으킨 점에서 평가를 해야 할 작품이 <여고괴담>이다. <여고괴담>은 <여고괴담>의 시리즈화를 가능하게 했었던 시작이자, 다양한 한국 공포 영화의 제작을 가능하게 한 토대였다. 이후 호황세의 한국 공포 영화 시장에서 외국영화지만 중요한 의미를 지닌 영화가 90년대 중반에 등장한다. 바로 <쏘우>다.

<여고괴담> 이야기를 하다 갑자기 <쏘우>를 등장시킨 이유가 뭐냐고 궁금한 분들이 있을 것인데, <쏘우>를 거론한 이유는 바로 소재 때문이다. 두뇌 싸움을 가장한 살인의 게임이란 특이한 소재. 정통적인 귀신 등의 소재를 다룬 공포 영화가 아닌, 복수를 집행 하는 살인 게임 <쏘우>의 등장은 관객에게 살인을 놀이동산의 게임처럼 간접 체험하게 해주었다. 그리고 살인의 게임을 집행하는 자는 <나이트 메어>나 <13일의 금요일>의 인물들과는 달랐다. 과거의 살인마들이 단순한 유형이었다면, <쏘우>의 직쏘는 법의 사각지대가 가진 모순을 파헤치며, 나름의 논리와 정의를 집행하면서 관객에게 카타르시스를 느끼게 해 준, 해석하기 쉽지 않은 복잡한 유형의 인물이었다.

<쏘우>의 등장은 공포 영화 트렌드의 변화를 의미했던 걸까? 묘하게도 <쏘우>의 시작은 <여고괴담>의 끝과 맞닿아 있다(<쏘우> 시리즈가 2004년 시작했었고, 한동안 <여고괴담>시리즈의 마지막 작품처럼 여겨졌던 <여고괴담 4 -목소리>는 2005년 개봉했었다). 그리고 2008년, <쏘우>와 <여고괴담>의 피를 적당히 이어받은, 살인의 게임을 추구하는 학원 공포물의 형태를 가진 <고사 - 피의 중간고사>라는 영화가 만들어졌다.

<고사 - 피의 중간고사>는 전국 180만이라는 흥행 성적 말고도 다른 각도에서 흥미로운 의미를 가지고 있다. 제작적인 면에서 단타성 기획과 제작사 소속의 배우들을 적극적으로 캐스팅하여 영화를 만들었다는 점, 그리고 <쏘우>와 <여고괴담>의 적당한 차용이 관객에게 통했다는 점이다. 분명 <고사 - 피의 중간고사>는 공포 영화의 장르적인 재미도 떨어지고 억지스러운 전개로 실망스러웠지만, 제작적인 면에서는 기획적인 면과 대폭적으로 줄인 제작비 등 하나의 가능성을 제시한 면에서 긍정적으로 보는 영화다. 그래서 앞서 언급한 <여고괴담>이 소프트웨어적으로 중요한 영화였다면, <고사 - 피의 중간고사>는 하드웨어적으로 중요한 영화라는 해석도 가능하다.

1편의 플롯을 복제한 2편

<고사 두 번째 이야기: 교생실습>은 1편에서 사용했던 단타성 기획이나 단기 제작에 맞춘 제작사 소속의 스타 시스템 활용 같은 제작 장점을 이번에도 십분 활용했다. 그리고 2편은 다른 의미의 제작적인 걸음을 한 걸음 더 나아갔다. 1편의 플롯을 스스로 자기 복제를 했다는 점이다. 복제의 틀은 1편에서 사용한 <쏘우>와 <여고괴담>의 변형물. 1편의 복제 답게 영화는 1편과 마찬가지로 <여고괴담>이 제시했던 학원물의 색깔(학생간의 관계)을 사용했으며, <쏘우>식의 복수 스타일 역시 그대로 사용했다. 심지어 중심인물(특히 범인)의 포지션까지 사용할 정도.

2편이 1편과 동일한 플롯을 다시 사용했다는 점은 무엇을 의미할까? 그것은 여타의 공포 영화 시리즈를 노골적으로 닮겠다고 선언한 것이다. 선언의 결과로 예상할 수 있는 것은 방향성과 반복성이다. 반복적인 플롯의 활용은 전편과 같은 방향으로 나아감으로써 일정 수의 관객, 즉 안정적인 흥행을 가장 먼저 생각하겠다는 것으로, 장점만을 생각하고 취하려는 행동이다. 그에 반해 반복성은 부정적 의미로, 관객이 너무나 반복적이고 뻔한 이야기로 식상할 수 있다는 사실이다. 결국 관객이 호응을 해주느냐의 문제다. 안주에 대한 호응이냐, 답습에 대한 외면이냐의 선택.

너무나 충실하게 복제하여 평행우주를 보는 착각이 들 정도

<고사 두 번째 이야기: 교생실습>은 전편과 같은 이야기로, '학교가 갇힌 공간이 되었고, 하나씩 죽어간다'는 설정이다. 전편을 본 사람이거나 보통의 생각을 하는 사람이라면 이렇게 추리를 할 것이다. 몇 사람이 얽힌 원인이 되는 사건이 존재할 것이고, 현재 같이 있는 사람 중 누군가가 범인일 것이라고.

영화는 이런 추리에서 한치의 오차도 없이 따라간다. 영화는 친절하게도 관객이 추리하는데 편의성을 주려는 듯, 1편과 마찬가지로 귀신 등을 개입시키지는 않는다. 그렇다 보니 영화 초반이 지나면 범인은 딱 보일 정도. 그나마 초반부의 구성은 전편에 비해 발전하려는 노력이 엿보였다. 폐쇄공간의 설정에 나름대로 타탕성을 주려 했고, 살인 게임에서의 유희적인 강도를 높이려고 노력했다. 하지만 그런 노력은 초반뿐이다. 중반부터는 놀라운 수준의 자기 복제 능력을 보여주면서, 마치 전편의 평행우주를 보는 듯한 착각이 들게끔 한다. 애초부터 전편과 다르게 만들고픈 생각이 없었던 모습이기에 <고사 두 번째 이야기: 교생실습>에서 스토리적으로 무엇을 이야기한다는 사실이 어떻게 보면 무의미하게 느껴질 정도다.

그렇다면 영화 내용 상의 흥미요소인 범인이 누군가란 축이 무너졌다면, 남은 것은 다른 한 축인 범행 동기다. 재미있는 점은 영화가 다른 것들은 열심히 전편을 복제했던 반면에, 범행 동기는 복제하는 걸 잊었던 듯 하다. 나름대로의 창작으로 나온 범행 동기라는 것이 너무나 민망하며 조악하다. 이 조악한 범행 동기가 그래서 더욱 공포스럽기도 하다. 그 뻔뻔함 때문에 말이다.

이야기적인 면이 빈약했다면 마지막으로 남은 것은 살인의 방법이 주는 새로움과 세기가 주는 쾌감이다. 하지만 영화는 이마저도 배신을 했다. 살인 게임의 장면들은 식상스러울 뿐이며(특히 마지막 강당 장면은 억지스럽기까지 하다), 쓸쓸히 들려오는 괴성은 이 영화의 죽음을 알려주는 단말마의 비명이다.

3편은 안 나올거라 믿는다

내용도 엉망, 배우들의 연기도 엉망. 그리고 장르적인 재미도 엉망인 난맥상의 결과물인 <고사 두 번째 이야기: 교생실습>. 2편을 보고 나면 <고사 - 피의 중간고사>의 지적 수준이 높았다는 역설적 생각이 들 정도다. 전작도 수준 높지 않은 마당에, 그것보다 수준이 떨어지는 속편을 보고 난 후 마음 속에 남는 감정은 후크송 스타일 영화에 샘플링 마냥 사용된 <여고괴담 두번째 이야기: 메멘토 모리>에 대한 미안함과 은근슬쩍 양념처럼 다루어지는 학원문제, 가족문제, 사회문제 등에 대한 측은함이다.

또 하나 느낌이 있다면 엔딩크레딧을 장난스럽게 사용하는 모습이 주는 불쾌감이다. 전편과 마찬가지로 엔딩크레딧의 장난은 이번에도 이어졌다. 무슨 의도로 넣었나 의심이 드는, 영화 엔딩의 흐름과 너무나 동떨어진 제작 장면이 들어간 엔딩 크레딧. 엔딩 크레딧 보다 불쾌한 기분이 드는 건 정말 드문 일인데, 전편에 이어 이번에도 그러다니 어떤 면에선 그 일관된 고집이 대단하기 까지 하다. 도대체 누구의 생각인지 정말 궁금할 정도다.

<고사 두 번째 이야기: 교생실습> 에서 그나마 존재 의미를 찾는다면 숙제를 던져준 점이다. 한국 공포 영화의 앞날에 대한 고민이라는 숙제. 한국 공포 영화는 선택과 집중의 시기가 아닌가 싶다. 단순하게 장르적 재미를 추구하든가, 아니면 스토리적인 공감대를 얻든가. 그리고 선택한 것에 집중을 해야 한다. 지금처럼 이것 저것 다루는 복합멀티플렉스 스타일의 장르물은 이제는 정말 아니라고는 생각한다. 이야기로 공포를 주든, 시각으로 공포를 주든 무엇이라도 하나만 제대로 헸으면 한다. 관객이 영화에서 공포감을 느끼는 게 아닌, 찾아야 하는 괴로움을 이제는 제발 그만했으면 하는 마음. 그렇다고 이 숙제를 스스로 해결한답시고 세 번째 이야기를 만드는 우를 범하지는 않길 바란다. 진심이다.

★

*2010년7월28일 개봉

이끼 (2010, 강우석)_긴장감없는 스릴러, 배우마저 없었더라면

shinsee — Fri, 23 Jul 2010 15:36:42 +0900

<이끼> 21010
연출 : 강우석
출연 : 박해일 / 정재영 / 유해진 / 유선

이 곳 이 사람들 도대체 무엇인가?!

도시 생활에 염증을 느껴왔던 해국(박해일 분)은 20년간 의절한 채 지내온 아버지 유목형(허준호 분)의 부고 소식에 아버지가 거처해 온 시골 마을을 찾는다. 그런데 오늘 처음 해국을 본 마을 사람들은 하나같이 해국을 이유 없이 경계하고 불편한 눈빛을 던지는데...

아버지의 장례를 마치고 마련된 저녁식사 자리. 마치 해국이 떠나는 것을 축하하기 위해 모인 것 같은 마을사람들에게 해국은 `서울로 떠나지 않고 이 곳에 남아 살겠노라` 선언을 한다. 순간, 마을 사람들 사이에는 묘한 기류가 감돌고, 이들 중심에 묵묵히 있던 이장(정재영 분)은 그러라며 해국의 정착을 허한다.

이장 천용덕의 말 한마디에 금세 태도가 돌변하는 마을사람들. 겉보기에는 평범한 시골 노인 같지만, 섬뜩한 카리스마로 마을의 모든 것을 꿰뚫고 있는 듯한 이장과 그를 신처럼 따르는 마을 사람들. 해국은 이곳 이 사람들이 모두 의심스럽기만 한데...

원작보단 영화를 먼저 보는 게 예의

원작이 워낙 유명하다길래 웹툰을 먼저 볼까 해서 보기 시작했는데.. 몇 회쯤 보니까 이거이거 제대로 붙잡으면 밤 새겠다 싶었다. 그리고 웹툰을 보고 나서 영화를 보면 실망할 확률 왠지 100%일거라는 느낌이 왔다. 과감하게 인터넷을 끄고, 정말 그야말로 온전히 영화 그 자체로 순수한 마음으로 감상하기 위해 참고 극장부터 찾았다.

오랜만에 극장에 가서 현매를 했는데 가까스로 좌석을 확보해서 들어갈 수 있었다. 주말 오후긴 했지만 극장 안 객석을 꽉꽉 채우는 영화 분명 흔치
않을텐데 역시 강우석 파워, 박해일+정재영의 스타파워가 장난이 아니구나 싶었다. 하지만 영화에 대한 지나친 기대는 금물. 강우석 감독은 '우직+충직+직설적' 영화의 대가이시다. 내가 그다지 내켜하지 않는.

장르가 엄연히 스릴러이고 스포일러가 될 생각 없기 때문에 내터리브를 굳이 언급하지는 않겠다. 2시간 40분에 육박하는 엄청난 러닝타임에도 불구하고 사실 지루할 틈을 주지 않고 영화는 휘몰아친다. 박해일, 정재영, 유해진 등 배우들이 내뿜는 카리스마만 해도 영화는 충분히 집중이 가능하다. 그럼에도 불구하고 이상한 것은 당최 결말이 궁금하지가 않은 거다. 무언가 엄청난 비밀이 숨겨져 있는 게 분명한데 그 정체가 그 어떤 것이든 놀랍지 않을 것만 같은 예감을 풍기더니 내가 보기엔 반전이라고 내세운 듯한 결말 장면도 그저 심드렁할 뿐. 영화는 <극락도살인사건>이나 (역시 박해일이 출연했던 스릴러 영화. 폐쇄적인 섬에서 일어나는 미스테리한 사건들과 반전이 볼만했던) 잘 하면 <도그빌> 정도를 연상시키는 설정을 따르지만 긴장감이나 기발함의 요소들을 모두 피해가는 기묘한 연출을 따르고 있었다. 배우들의 대사나 지나치게 친절한 회상장면을 통해 모든 사건을 일일이 설명하고 이끌어 가는 방식도 고루하고 신선도가 떨어졌다. 이 영화가 90년대 쯤 나왔더라면 엄청나게 재밌게 봤을지 모르겠지만.

하지만 영화의 주제만큼은 원작에서 빌어온만큼 거대한 철학적 물음을 함께 던지고 있는 듯 하다. 범죄자를 갱생시켜 새로운 사람이 되도록 하는 것이 영화 속 인물들이 꿈꾸던 희망이었다. 하지만 악한 본성을 지닌 인간에게 '참회'와 '새사람되기'가 가당키나 한 것인가? 를 집요하게 파고든다. 결론은 불가능하다는 것이다. 그들의 폭력근성은 유전적이기도, 환경적 요인에 의한 것이기도 하지만 어쨌든 그들의 폭력성은 일시적인 트레이닝을 통해 뒤집을 수 없는 것이다. 그들의 실험이 성공했더라면 정말 좋았겠지만 이미 자라난 폭력근성을 치유할 수 있다고 믿은 것은 낭만적인 발상에 불과했다. 그리고 그릇된 희망과 현실이 벌인 전쟁에서 패한 사람은 자신의 모든 것을 빼앗기고 포기할 것을 강요당할 수밖에 없다. 그리고 아무리 좋은 의도에서 시작된 일이라 하더라도 결과가 성공적이지 못하다면 그 과정에서 상처를 받은 사람은 어떻게든 복수를 꿈꾸게 된다. 그래서 인간의 본성은 다른 인간의 의지와 마음으로 다스려질 수 없는 것이다. (요즘 시끄러운 학생 체벌 문제를 연상케도 한다. 도대체 체벌을 전면 금지해서 요즘 애들을 어떻게 다스릴 수 있다는 말인지... 철없는 낭만주의자가 아니고서야 그렇게 현실을 모르고 외면할수가.)

어쨌든 권력은 '선(善)'과 절대 공존할 수 없다는 사실, 인간의 폭력성과 음흉함이 얼마나 큰 비극을 불러올 수 있는지를 낱낱이 고하고 있는 이 영화는 우울하고 가슴아프다. 그래서일까 영화 전반에 드리운 어둠의 그림자(?)를 걷어내기 위해 강우석 감독은 무리한 유머를 곳곳에서 터뜨리는 장치를 사용하는데 이런 정도의 유머라도 없었으면 도대체 어쨌을 뻔 했나 하는 생각이 들면서도 영화의 흐름을 방해한다는 느낌은 지우기가 힘들었다. '이것봐, 강우석 감독의 영화에는 '코미디'도 있다구~'라는 사실을 관객에게 끊임없이 주입시키려는 듯이 유머는 영화와 현실을 겉돈다.

배우들이 연기가 그나마 받쳐준다

모두가 칭찬하는 배우들의 연기력도 나는 잘 모르겠다. 울분을 토하며 눈뒤집고 넘어가는 유해진의 연기만큼은 명불허전이었으나 정재영은 분장값이 반을 차지하고, 박해일은 시종일관 연극을 하는듯 딱딱한 지나친 도시남자스러운 대사톤을 유지해 별로 영화 자체에 녹아들지 못하고 있다는 느낌이 들었다. (감독은 아니어도 배우들한테 거는 기대가 무의식중 엄청 컸었나보다. 그 정도 연기는 그들한텐 항상 해오던 거잖아요. 안 그래요?) 유선은 음울하고 사연많아 보이는 여자 캐릭터에 잘 어울렸지만 30년 가까운 세월이 흐르는 동안 새치 하나 나지 않은 미모를 유지하고 있다는 게 비현실적이었고. 그나마 가장 자연스럽고 딱 어울리는 연기를 보여준 것이 유준상. (그는 언제나 넘치치도 모자라지도 않는 연기력으로 영화 속 캐릭터를 정확하게 구현한다.) 정재영은 기가 막히는 노인분장에 걸음걸이 하나하나까지 연기에 충실했지만 그가 가지고 있는 코믹한 이미지의 영향이 컸기 때문일까, 천용석 이장의 무시무시한 악마적 카리스마를 열 씬 보여주다가 딱 한 컷에서 날린 유머 한 방으로 모두 날아가버렸다는...

유해국(박해일)의 과거는?

그리고 또 하나, 이 영화는 도대체 주인공 유해국(박해일)은 왜 가해자로 몰렸으며 박검사와 묘한 우정&적대 관계를 형성하게 된건지 그들의 관계를 전혀 설명해 주지 않고 있는데 2시간 40분 동안 그 중요한 문제 하나 설명해 줄 여력이 없었던 건가, 아니면 그런 문제는 웹툰을 찾아 보고 알아서 궁금증을 해결하라는 건가. 내가 보기에 (물론 사전 정보가 없다는 가정 하에) 이 영화에서 유선생의 죽음에 있어서 가장 의심스러운 존재는 유해국이었어야 했단 말이다. 도대체 누가 혐의를 가진 것인가에 초점을 맞추고 궁금증을 유발하는 게 아니라 초반부터 유해국이 절대선의 입장에 세워두고 언제 어떻게 이장의 비밀이 밝혀질까를 2시간 넘게 쫓다 보니 지치는 것도 무리가 아닐 듯.
훗, 이쯤 되니 모든 질시와 비교와 더 깊은 성찰은 웹툰이나 보고 나서 얘기할 수밖에 없는 건가.

그럼에도 이 영화는 극장가에서 뚜렷한 라이벌을 만나지 못해 벌써 300만을 넘겼다고 하니 이 기세로라면 500만은 거뜬히 넘게 생겼다. 500만 넘을 가치가 없다고 할 생각은 없지만 어쨌든 시금털털 찝찌름한 기분은 지울 수가 없다는.

웹툰 속 마을을 완벽하게 재현한 셋트는 정말 예술

더 많은 리뷰 보기~

www.shinsee.com

<마음이 2>1편 보다 발전한 것은 개의 연기 뿐이다

haku — Thu, 22 Jul 2010 10:59:48 +0900

사람과 개를 콤비로 내세웠던 <마음이...>, 4년 만에 나온 두 번째 이야기 <마음이 2>

<마음이 2>는 특징을 하나 가지고 있다. 강철중 정도가 유일하게 기억될 정도로 캐릭터가 살아남기 힘든 한국 영화 시장에서 1편에 이어 2편에서도 같은 캐릭터가 메인으로 등장을 했다는 사실. 이것은 한국 영화에서는 굉장히 흥미로운 점이다. 게다가 주인공이 사람이 아닌 개다. 2006년 작 <마음이...>에서 주연으로 활약했던 '달이'가 그 주인공.

4년 만에 제작된 속편 <마음이 2>는 '마음이'라는 개를 주인공으로 전면에 내세운 마음이 두 번째 이야기다. 그렇기에 <마음이...>에 대한 기억을 먼저 더듬어 보는 것이 2편 정리를 위한 전제조건이 아닐까 싶다.

한국 영화로는 보기 드물게 사람과 개를 주연으로 내세웠던 영화 <마음이...>. 그러나 사람과 개를 주연 콤비로 내세웠다고는 했지만, 엄밀히 본다면 <마음이...>는 당시 충무로의 블루칩이던 유승호의 영화였다. <집으로> 이후 주연급으로는 영화에서 뛰지는 않으면서 TV드라마 등을 중심으로 활동하던 유승호. 그러나 충무로가 유승호의 아역시절을 그냥 둘 리 만무했다. 눈물 짜게 만드는 캐릭터로 등장시켜 관객들을 울리고 싶었을 욕심이 있었을 터. <마음이...>는 그런 욕심에서 출발한 영화다. 유승호는 그런 요구에 충실히 부응했으며, 달이 역시 기대 이상의 모습을 보여주었다.

하지만 <마음이...>는 배우가 영화적인 욕심에는 충실했을지 몰라도, 영화의 완성도와는 거리가 멀었던 작품이다. 솔직하게 말하면 상당히 실망스러웠던 영화다. 그 실망은 두 가지 정도였는데, 가벼운 실망은 관객에게 이쯤에서 눈물을 흘려야 한다는 식의 지나친 신파적인 스토리가 주는 억지스러움이었고, 그보다 더욱 컸던 실망은 부족한 스토리를 아역배우와 개를 통해 메우는 모습이었다.

마음이의 모험을 기본으로 한 코믹 영화 <마음이 2>

1편 이후 4년 만에 등장한 <마음이 2>는 1편과 제목과 주연 캐릭터 '마음이'만이 동일한 영화다. 시간대와 공간이 전혀 다르다. 그리고 1편과 2편은 시간과 공간의 차이만큼이나 영화의 소재도 완전히 다르며, 장르와 접근 역시 상당한 차이점이 보인다. 1편이 인간과 개의 만남과 함께 하는 모습에 무게를 실은 가족영화였다면, 2편은 마음이의 모험을 기본으로 한 코믹 영화다.

<마음이 2>의 내용은 다이아몬드를 훔친 후 도주하던 도둑일당에게 납치된 새끼를 구하러 가는 마음이의 모험담이 중심이다. 영화의 중심적 내용이 마음이의 활약이다 보니 영화는 1편과는 그 수준이 다르게 마음이를 활용한다. 마음이를 완전히 이야기 중심에 놓다보니 마음이를 돌보는 가족의 이야기는 넣기 싫지만 어쩔 수 없이 넣은 양념에 가까울 정도다. 이야기는 철저하게 마음이를 활용하며, 마음이와 도둑일당의 대결 에피소드를 중심으로 전개한다.

1편에 비해 비중이 커진 마음이는 <마음이 2>에서는 1편을 능가하는 판단력과 작전을 구사한다. 지적 능력의 수준은 인간 못지 않은(사실 인간보다 더 똑똑하다가 맞다) 수준. 마음이의 지적 능력의 우월함을 보여주는 것에 반비례하며 보여지는 것은 도둑일당의 지적 능력이다. 이렇듯 영화는 개의 똑똑함과 도둑일당의 멍청함을 철저한 대비시킨다. 그리고 이런것이 관객에게 웃음을 주려 했던 핵심적인 구성이다. 이 구도는 <나 홀로 집에>의 케빈과 도둑일당의 모습을 연상케 하는 복제다. 문제는 대폭적인 다운그레이드가 된 복제라는 점이다.

코믹 영화인데 그다지 웃기질 않는다

이야기 구조의 유사함이야 가족 영화(또는 코믹 영화)의 틀을 변형적으로 복제했다는 측면에서 이해를 하고 싶다. 정작 내가 실망한 점은 무성의하다는 점이다. <마음이 2>는 웃기려고 무엇인가를 계속적으로 보여주지만 그다지 웃음이 나오질 않는다. 별다른 노력을 한 흔적도 안 보인다. 영화에서 웃음을 가장 크게 담당하는 배우는 성동일. 그러나 성동일의 연기는 자연스러운 극의 흐름에서 나온 웃음이 아닌, 애드립의 남발에 가까웠다. 애드립이란 것도 영화의 한 부분에서 간헐적으로 보일 적에 빛이 나는 법. 전체적인 이야기의 수준이 떨어지는 상태에서 애드립만이 남발하면 영화가 무성의하게 보일 뿐이다.

애드립으로 버티는 <마음이 2>는 각본의 힘이란 게 전무한 영화다. 그다지 웃기지도 않는 상황을 만들어 놓고서는 배우들을 그 상황에 몰아넣은 모습이다. 마치 알아서 무엇이든 보여주라는 식이다. 그런 무대에 던져진 성동일과 김정태의 바보스런 연기도 초반 잠깐은 웃기지만, 어느 순간부터는 대놓고 바보스럽게 행동하다 보니 도리어 보는 관객이 바보로 느껴질 정도다. 이런 바보스러움의 최고조는 마음이를 잡겠다고 만든 트랩 장면. 이런 설정이 요즘 관객들에게 먹힐 거라 생각한 사실이 놀라울 정도다. 도리어 그래서 웃음이 나오기도 한다. 정말 놀라운 수준의 안일한 발상이구나 하는 생각에.

영화에서 그나마 건질만한 건 개의 연기 뿐이다

<나 홀로 집에>의 엉성한 변형작인 <마음이 2>. 1편은 강압적인 눈물이란 생각은 들었어도 무성의 하다는 생각은 들지 않았지만, 2편은 성의라는 것이 도무지 보이지 않는 영화다. 재미도 없고 감동도 없는 낙제점 수준의 영화다. 그저 존재하는 것은 썰렁한 상황이 주는 허탈한 웃음 뿐이다.

정말 실망스러운 수준의 영화에서 그나마 건질만한 것은 달이의 연기. 사실 이 점은 굉장히 아이러니한 사실이기도 하다. 아무리 개가 중심인 영화라지만 너무 황당한 일이 아닌가? 연기를 전문으로 하는 배우들의 연기보다 개가 나은 연기를 보여준다니.

개의 연기가 좋기에 개만을 중심으로 보고 싶은 분이라면 이 영화를 추천하고 싶다. 1편보다 나은 점이라고는 개의 연기 뿐인 것은 사실이니까. 그러나 영화라는 걸 보고 싶은 분, 또는 인간의 연기를 보고 싶은 분에게는 추천하고 싶지 않은 영화다. 그 시간에 차라리 <나 홀로 집에> dvd를 다시 보시거나, 근래 개봉한 <하치 이야기>를 권해 드린다. 적어도 이 영화들은 재미나 감동은 분명히 가지고 있으니까.

*<마음이 2>는 시나리오 단계부터 중국 회사의 적극적인 투자를 받았던 작품이라고 한다. 그래서 우리나라 개봉판과 중국 개봉판은 편집이 달라서, 중국 개봉판에는 중국 배우 장한의 비중이 높아진다고 한다. <마음이 2>는 작품의 완성도는 아쉽지만, 마케팅 적인 접근 등에서는 모범적인 사례가 아닌가 싶다.

★☆

*2010년7월21일 개봉

<마법사의 제자>낮은 수준의 블록버스터 공식만을 너무나 충실하게 외운다

haku — Sat, 17 Jul 2010 09:13:57 +0900

심각함이 대세를 이뤘던 2000년대 헐리우드의 판타지 영화와 슈퍼 히어로 영화들

새로운 세기가 시작하고 1년이 지났던 2001년은 판타지 영화 장르에서 기념비적인 해가 아닐까 싶다. 2001년은 <해리 포터와 마법사의 돌>과 <반지의 제왕 - 반지 원정대>가 공개되었던 해다. <해리 포터>시리즈와 <반지의 제왕>시리즈는 흥행이나 비평으로 놀라운 성과를 거둔 작품이다. 거기에 판타지 영화 장르에 있어서 몇 가지 새로운 패러다임을 제시했었던 중요한 영화들이기도 하다.

이들이 제시한 패러다임 중 하나는 이전까지 기술적인 문제로 구현하지 못했던 소설의 상상력을 발전된 CG를 통해 영화로 구현하는 것이 가능해졌던 것이다. 바꿔 말하면 영화 표현의 패러다임을 제시한 것이다(특히 <반지의 제왕>에서의 골룸은 혁명적인 CG캐릭터의 등장이었다).

그리고 영화 소재의 패러다임으로 제시한 것은 다양한 소설의 흡수와 이전과는 다른 '심각한' 판타지를 주류로 만든 점이다. 과거 판타지 작품들이 꿈과 모험을 단편적으로 이야기했었다면, 새로운 판타지 영화들은 이전과는 확연하게 다른 캐릭터와 스토리를 관객에게 보여주었다. 이야기를 단지 신화적으로만 읽는 것이 아닌, 현실의 인간들이 가지는 고민과 성격을 작품에 변형하여 이식한 것(물론 원작 소설들이 그런 요소를 가졌기에 가능했다)이다. 이런 '심각한 영화'라는 흐름은 헐리우드의 2000년대 트렌드 중 하나였던 슈퍼 히어로 영화에도 영향을 주었으며, 심각한 슈퍼 히어로 영화는 <다크 나이트>라는 차원이 다른 히어로 영화로 정점에 다다랐다. 그리고 심각한 판타지 영화의 정점은 <해리 포터>시리즈의 마지막 작품인 <해리 포터와 죽음의 성물> 1,2 부를 통해 달려가는 중이다.

그렇다면 헐리우드는 지난 10년의 트렌드였던 심각한 풍조의 영화는 새로운 10년에도 유행할 꺼라 생각했을까? 헐리우드의 스튜디오들은 이 질문에 다소 부정적이었던 것 같다. 관객들이 80년대 스필버그 사단이 만들었던 류의 영화를 다시 찾을 거라 예상을 했던 것 같다. 어쩌면 이제는 관객들이 심각한 것 보다는 조금 편하게 보는 영화들을 찾을 것이라 예상을 했을지도 모른다. 그래서인지 2010년에 등장한 헐리우드 블록버스터들은 이전과는 다른 색깔의 작품들이 선보였다. <베스트 키드>로 대표되는 복고풍 영화는 노골적으로 80년대를 그리워 했고, <A-특공대>로 대표되는 단순한 영화들은 이전보다 더욱 강하게 뇌활동 중지를 요구했다. 그리고 새로운 판타지 영화였던 <퍼시 잭슨과 번개도둑>은 심각함을 버렸다.

제리 브룩하이머와 존 터틀터웁이 만든 새로운 마법사들의 전쟁

<마법사의 제자>는 디즈니가 심각함을 덜어내 버린 가벼운 판타지 영화다. 흥미로운 것은 <마법사의 제자>에는 새로운 10년을 향한 디즈니의 마음이 담겨 있다는 점이다. 그것은 영광의 시절을 그리워하는 디즈니의 마음이다. 픽사의 CG애니메이션에 의존하지 않았던, 자신들만의 영화로 흥행시장을 주도했던 시절에 대해 그리워 하는 디즈니의 마음.

그래서인지 <마법사의 제자>는 과거 디즈니의 전설적인 히트 작품인 <판타지아>에서 출발했다. <판타지아>의 에피소드였던 <마법사의 제자>를 차용한 것. 디즈니는 자사의 전설을 스스로 차용하여 새로운 <마법사의 제자>를 만드는 과감한 결단을 했다.

자사의 전설까지 차용한 디즈니는 볼거리를 만들기 위해 아낌 없이 돈을 썼다. 뉴욕의 독수리 조형물을 CG로 살아나게 했고, 스포츠 카를 타고 도심을 질주하며 마법 대결을 펼친다. 심지어 차이나타운에서 용을 등장시키기도 했다.

그리고 디즈니는 이런 모든 것들을 만들어 내는 지휘자로 최고의 제작자인 제리 브룩하이머를 선택했다. <캐러비안의 해적>시리즈를 통해 액션 어드벤처 영화의 모든 흥행 성적을 바꿔 버린 제리 브룩하이머야 말로 새로운 디즈니 표 판타지 영화를 만들어 내는 데 사실 적임자이기도 했다. <캐러비안의 해적>시리즈는 헐리우드에서 새로운 패러다임의 모험활극의 전형을 제시했었으니 말이다. 제리 브룩하이머는 디즈니의 야심에 걸맞는 카드로 검증된 흥행 감독 존 터틀터웁과 니콜라스 케이지를 내세웠다.

심각함을 덜어내려다 우습게 되어버린 이야기

그러나 제리 브룩하이머와 존 터틀터웁 조합은 가벼움만을 추구하다 많은 것을 잃어버리고 말았다. 영화는 새로운 신세대의 마법사가 주는 개성이나 신구세대의 충돌 등이 주는 여러 가지 설정의 재미는 있다. 세상을 구하는 것보다는 당장의 데이트가 중요하며, 세상을 정복하는 것보다는 자신의 팬에게 싸인해 주는 것이 중요한 신세대 마법사들. 그리고 마법과 물리학을 연결한 시도 등은 아이디어적으로 흥미롭다.

하지만 영화는 이런 소재의 흥미로움을 스토리의 재미로 엮어내진 못했다. 너무나 충실하게 낮은 수준의 블록버스터 공식만을 외울 뿐이었다. 오마쥬란 이름으로 등장하는 <판타지아>의 에피소드나, <인디아나 존스>, <백 투 더 퓨쳐>, <드래곤볼>을 연상케 하는 장면들은 멋진 삽입이란 생각보다는 부족한 상상력이 빚은 아이디어 무단 인출로 보일 정도다. 게다가 마지막 장면에서 세상을 구하는 장면에서의 속성모드로 강해진 주인공과 과학에 기댄 우연 등은 너무 심하게 가벼움을 추구하다 우습게 보일 지경. 이런 가벼움은 다음 장면까지 이어지면서 그 끝을 모르게 질주한다.

이 질주의 모습은 <퍼시 잭슨과 번개도둑>의 그것과 흡사하다. 비슷한 수준의 재미와 CG, 그리고 배우(두 편 모두 배우의 캐스팅이 화려하다). 엔딩의 마구잡이도 비슷하며, 감독들이 전작에 훨씬 못 미치는 영화를 만들어낸 사실까지 비슷하다. 심지어 대상 연령층이 미묘하다는 사실마저 비슷하다. 어른이 보아야 할지, 어린이가 보아야 할지 미묘한 수준의 이야기. 물론 큰 기대 없이 정말 가벼운 마음으로 무장하고 판타지를 즐기고 싶은 분이라면 <마법사의 제자>는 괜찮은 선택이 될 수도 있다. 하지만 영화는 완성도 문제를 떠나, 성인에게는 그다지 추천하고 싶지 않은 난이도의 이야기다. 아무리 블록버스터에서 이유를 안 따진다고 해도, <마법사의 제자>는 너무 낮은 수준의 공식에 충실한 영화다.

2010년 디즈니의 명암, 앞으로의 선택이 궁금하다

2010년의 디즈니는 명암이 뚜렷한 한 해를 보내고 있다. 픽사의 CG 애니메이션만이 아닌 자신들의 색깔을 가진 작품들을 만들기 위해 <알리딘>을 차용했던 <페르시아의 왕자>는 시장에서 냉정한 실패로 가고 있으며, <판타지아>를 차용했던 <마법사의 제자> 역시 전망이 밝지 않다. 게다가 셀 애니메이션의 부활을 노렸던 <공주와 개구리>는 예전 셀애니메이션의 반응과는 거리가 먼 반응이었다.

이와 반대로 픽사 작품인 <토이스토리 3>는 흥행에서 역대 픽사 작품 중 최고의 성적을 거두고 있으며, 3D영화인 <이상한 나라의 앨리스>는 세계 수익 10억불의 메가 히트를 기록했다. 이어지는 3D라인업인 <스텝 업 3D>나 <트론 : 새로운 시작>은 3D 호황에 힘입어 전망이 밝다.

과거와는 달라지는 시장의 흐름 속에 놓인 디즈니. 다시 도전할 것인가, 아니면 버릴 것인가? 앞으로의 선택이 무엇일지 다음 행보가 궁금해진다. 다만 다음에는 조금 더 높은 수준의 블록버스터 공식을 외웠으면 하는 바람을 가져볼 뿐이다.

*엔딩크레딧 후 그다지 중요한 장면은 아니지만 쿠키 영상이 있다.

*지난 번 <페르시아의 왕자> 언론시사회 당시에 <마법사의 제자>의 초반부 가게 장면과 중반 화장실 장면을 10여분 보여주었다. 그런데 가게 장면은 그 당시 장면과 개봉 버전이 달랐다. 개봉 버전이 편집을 해서 장면이 적어진 것. 그런데 개인적으론 심각해 보이는 장면들을 전부 자른 것이 아닌가 생각한다. 솔직히 삭제장면에서 니콜라스 케이지의 대사가 살짝 멋지긴 했는데 아쉽다.

★★

*2010년7월21일 개봉

인셉션(Inception)-놀란 감독이 숨겨 놓은 진짜 주제는?

키아누 — Tue, 13 Jul 2010 15:12:29 +0900

인셉션(Inception)-놀란 감독이 숨겨 놓은 진짜 주제는?

※ 서론
드디어 기다리던 인셉션을 보고 왔습니다. 배트맨 다크나이트로 우리에게 엄청난 충격을 주었던 크리스토퍼 놀란 감독이 이번에는 더 강한걸 들고 찾아왔더군요 인셉션을 보고 있자니 놀란 감독의 깊이가 어느정도 까지인지 가늠할 수가 없더군요 음양이론에 대한 깊은 고뇌와 성찰을 보여줬던 배트맨 다크나이트는 습작에 불과하더군요 인간의 무의식과 차원과 꿈 그리고 존재에 대한 얘기를 이토록 화려하고 긴장감 넘치면서도 쉽게 그려내려 한 점에 경의를 표합니다.

※ 본론

1. 의식과 무의식

인셉션의 기본 컨셉은 간단하다. 인간의 무의식의 영역으로 알려져 있는 꿈을 해킹한다는 설정이다. 꿈을 해킹함으로써 그 사람의 생각을 읽어내는 것이고 이러한 컨셉에 어려운 미션이 주어진다. 꿈을 해킹해서 생각을 읽어 낼수 있다면 꿈을 해킹해서 다른생각을 심어 버림으로써 그 사람의 생각을 바꿀수도 있다는 설정이다.

본격적인 얘기를 하기전에 필자가 생각하는 가설을 기반으로 이 영화의 리뷰가 진행되오니 이점 양해 바라오며 여기서 얘기하는 부분은 오직 필자의 가설일 뿐이니 여러분들은 영화 보시기전에 참고만 하시길 권유 드린다.

많은 사람들이 매일밤 꿈을 꾸기도 하고 꾸지 않기도 한다. 꿈은 도대체 무엇일까? 프로이드도 꿈이 무엇인지 밝혀내기 위해 부단한 노력을 했지만 완벽하게 밝혀 내진 못했다. 단지 꿈은 무의식의 영역이라는 점은 모두가 공감하는 정도 일 뿐이다.

꿈을 얘기하기전에 먼저 의식과 무의식에 대한 얘기를 하자 우리 인간에게는 단백질로된 뇌 라는 컴퓨터를 머리속에 장착하고 살아가고 있다. 인간의 뇌는 우리가 평소에 사용하는 컴퓨터와 흡사한 구조로 되어 있다. 컴퓨터는 어떠한 프로그램이나 정보를 실행시키기 위해서는 마우스로 더블클릭 이라는 신호를 주게 되고 이를 메모리가 읽어들임으로써 실행시킨다. 그리고 어떠한 정보를 저장하기 위해서는 컴퓨터 내의 하드디스크속의 특정 폴더에 특정파일을 저장하곤 한다.

인간의 컴퓨터인 뇌도 마찬가지다 우리 인간도 생활하면서 오감으로 접하는 수많은 정보들을 의식에서 처리한후 무의식에 저장을 하게 된다. 우리 인간들의 뇌 또한 컴퓨터랑 동일한 구조로 되어 있는 것이다. 컴퓨터와 비유하자면 인간의 뇌에서 의식은 메모리 영역에 해당하고 무의식은 하드디스크 라고 보면 된다.

그리고 인간의 의식중에서는 또 현재의식 이라는 것이 있다. 현재의식 이라 함은 컴퓨터로 얘기하자면 현재 내가 컴퓨터상에 실행하고 있는 프로그램이나 인터넷 창에 해당 된다. 지금 현재 내가 컴퓨터로 인터넷에 접속해서 다음 이나 네이버와 같은 특정 포털사이트를 보고 있다면 인간으로 따지면 이것이 나의 현재 의식이 되는 것이다.

굳이 이러한 구조로 나뉘는 이유는 간단하다. 컴퓨터 상에서도 한꺼번에 수많은 프로그램과 수많은 인터넷 창을 띄우면 어떻게 되는가! 바로 다운되어 버린다. 우리 인간들도 현재의식이 너무 많은 생각을 하고 있거나 정보들을 흡수하고 있다면 그 사람은 얼마가지 못해서 미쳐버리게 될 것이다. 따라서 역으로 해석해 보면 이러한 원리를 기반으로 컴퓨터 라는 제품이 탄생 했을 가능성 또한 아주 높다.

그 리고 대부분의 사람들은 활동하는 낮시간에는 현재의식을 가지고 활동을 하고 밤에 잠이들면 낮에 접했던 수많은 정보들을 무의식에서 분류하고 저장하는 활동을 하게 된다. 이건 마치 컴퓨터에 여러가지 파일들을 분류하고 폴더를 정리해서 저장하는 작업과 일맥 상통한다.

따라서 인셉션 에서 나오는 꿈을 통해 그사람의 무의식으로 들어가 생각을 해킹한다는 컨셉은 다른 측면으로 해석해 보자면 해커가 다른컴퓨터에 몰래 침입해 그사람 컴퓨터의 하드디스크에 저장되어 있는 특정 파일을 빼내는 해킹과 동일하다고 할 수 있다. 현실 세계에서도 해커들은 기업체의 컴퓨터에 침입해서 중요한 회사 기밀문서를 빼내곤 하지 않는가!

2. 꿈

자 그렇다면 인셉션 에서는 꿈을 설계하고 이 꿈을 통해 상대방의 무의식의 영역으로 접근하고 그 사람의 생각을 빼내는데 어떻게 해서 이런 일이 가능할까? 먼저 꿈에 대해 살펴보자 우리 인간들은 누구나 꿈을 꾸지만 인간들에게 꿈은 꿈일 뿐이다. 우리가 알지못하는 무의식이 만들어내는 환상에 불과하다고 생각하고 있다.

하지만 꿈은 사실상 내 몸속의 또다른 육체가 특정 주파수 영역대의 공간으로 날라가는 것이라고 할 수도 있다. 꿈이 단순히 무의식이 만들어내는 환상이 아니라는 것을 알 수 있는 방법은 간단하다. 우리가 꿈을 꾸다보면 좀전에 어떠한 공간에서 꿈을 꾸다 잠시 깬뒤 다시 꿈을 꿔도 똑같은 공간으로 날라가 연이어서 꿈을 꾸는 경우가 있다.
꿈이 단순히 무의식이 만들어내는 일시적인 환상이나 착각 이라면 이러한 현상은 일어날 수 없는 일이다.

우리 몸속의 또다른 육체는 일반적으로 유체 라고 부른다. 이 유체가 육체를 이탈할때 우리는 이러한 현상을 유체이탈이라고 하기도 한다. 모든 사람들은 밤마다 꿈을 꿀때는 유체가 육체를 이탈한다. 하지만 대부분의 사람들은 이러한 현상을 눈치채지 못한다. 왜냐하면 이때는 현재의식은 정지되어 있고 무의식이 활동하는 시간이기 때문에 현재 의식이 단지 이를 인지하지 못하기 때문이다.

따라서 어찌보면 우리 인간은 사실 매일밤 유체가 육체를 떠남으로써 죽음을 맞이한다. 하지만 아침이 되면 다시 유체가 육체로 돌아와서 현실속에서 활동을 하기에 우리는 살아있다고 표현하지만 인간들은 유체가 이탈해서 돌아오지 않는 마지막에 가서야 비로소 현실속에서 죽음이라고 인식하는 것 뿐이다.

인간이 잠을 자는 동안 우리의 유체가 이탈하게 되면 우리의 유체는 특정 주파수 영역대의 공간으로 날아간다. 이 특정 주파수의 영역대의 공간은 우리가 살고 있는 3차원의 공간과는 완전히 다른 차원의 공간인 것이다. 이 꿈속의 공간대는 3차원 보다는 훨씬 말랑말랑한 에너지 공간이라고 생각하면 된다. 이곳에서는 내가 생각하는데로 물질을 만들고 창조해 낼 수 있다. 이 모든것이 단순히 인간의 생각으로만 가능해 지게 된다.

하지만 대부분의 인간들은 꿈속에서 이러한 것들이 가능하다는걸 알지 못한다. 그걸 아는순간 부터 한차원의 깨달음을 얻게 되는것이나 마찬가지 이기 때문이다. 꿈속과 같은 말랑한 에너지 차원의 공간에서는 아는것이 힘이다. 좀 더 쉽게 설명하자면 깜깜한 방에 들어가면 칠흑같은 어둠만이 존재하지만 전구를 켜는 순간 환해진다. 꿈속에서 아는것 또한 이러한 원리와 유사하다고 보면 된다. 즉 아는것은 빛이고 모르는 것은 어둠인 것이다.

따라서 인셉션 에서 인위적으로 약물을 먹고 안정적인 수면을 취하면서 꿈의 영역으로 들어가는것은 어찌보면 유체를 통해 무의식이 활동하는 공간인 특정주파수 대의 꿈의 공간으로 가기 위함으로 해석할 수 있다. 그런데 이 영화에서는 독특한 설정이 하나 더 등장한다. 꿈속에서 또 꿈을 꾸게 함으로써 제2의 꿈의 영역으로 들어간다. 그리곤 제2의 꿈의 영역에서도 또다시 꿈을 꿈으로써 제3의 꿈의 영역대로 들어가고 또다시 제3의 꿈의 영역에서 꿈을 꿈으로써 또다시 제4의 꿈의 영역대 까지 진입한다.

그렇다면 이건 또 도대체 무슨 해괴한 설정이란 말인가! 하고 헷갈릴 수 있다. 이 영화를 보실 많은 분들이 이부분에서 부터 상당히 복잡하고 헷갈리기 시작하게 될 것이다.

3. 차원과 존재

우리 인간들은 육면체로 된 3차원의 시공간 에서 살아간다. 1차원은 선으로 이루어진 구조이다. 아래의 그림처럼 하나의 선이 이어지는 구조가 1차원인 것이다. 하지만 2차원은 이 선이 횡으로 움직여 면을 탄생 시킨다. 그리고 3차원은 이 면에 높이축이 생겨나 육면체를 이루게 된다.

그렇다면 4차원은? 4차원을 이해하고 인지하게 되는 인간들을 우리는 일명 도통한 인간들이라고 부른다. 필자또한 4차원의 영역은 3차원을 기반으로 유추해 볼 뿐 정확한 구조는 알 수 없지만 다면체의 구조가 아닐까 생각한다.육면체의 구조들이 복잡하게 붙어 있을 수도 있고 새로운 축이 하나 더 있는 구조일 가능성도 있을 것이다. 그렇다면 우리가 여기에서 유추해 볼 수 있는 것은 4차원 부터는 상당히 복잡한 체계로 되어 있을 가능성이 높다는 것이다. 에너지와 시간 공간의 의미가 3차원과는 완전히 다른 개념이 될 가능성이 높다는 것이다.

일반적으로 알려진 바로 차원은 12차원 이나 15차원 정도까지 있다고 한다. 하지만 이것도 크게 나눴을때의 얘기이고 각각의 차원마다 또 세부적으로 수많은 차원들이 존재한다고 한다. 이것은 마치 라디오 주파수가 수많은 주파수의 영역대가 있는것과 흡사하다고 보면 된다.

따라서 이 영화 인셉션 에서 특정 꿈의 공간대로 날아가는 것은 어찌보면 라디오를 FM89.1과 같은 특정 주파수대로 맞추는 것과 동일하다고 보면 된다. 라디오도 주파수가 맞으면 선명하게 들리듯이 꿈도 해당공간 영역대의 주파수만 일치한다면 동일한 공간 영역을 공유할 수 있게 되는 것이다.

이렇게 라디오 주파수 처럼 수없이 많은 차원대가 존재하는 이유는 사실 완전한 에너지 형태에서 딱딱한 3차원의 물질세계 까지 오기 위함이다. 쉽게 말해 3차원의 세계가 책상이나 돌멩이를 만지면 딱딱함을 느낄 수 있는 공간이라면 4차원은 조금더 말랑한 공간이고 5차원 나아가서 10차원 이상 올라가면 점점 에너지 형태의 물렁한 공간 이라는 것이다. 이렇게 에너지가 물질화 되는 과정을 과학계에서는 양자역학 이라고 해서 수십년 전부터 연구가 되어져 이제는 결실을 맺을 단계에 와 있다.

이렇게 수많은 차원이 존재하는데 흥미로운 것은 요즘 미국드라마에서도 많이 나오는 컨셉이지만 이 수많은 차원별로 또 다른 나가 존재 한다는 것이다. 지금 3차원에서 생활하고 있는 나가 있다면 4차원에도 동일한 나가 있다는 것이다. 그리고 5차원에도 6차원에도 동일한 나가 존재 한다는 것이다. 나아가서는 15차원까지 모든 차원에 동일한 나가 존재한다는 것이고 각각의 삶을 살아가고 있다는 것이다. 그리고 모든 차원별로 존재하는 수많은 나 또한 하나의 끈으로 연결 되어 있다는 것이다.놀란 감독은 이 영화 인셉션 에서도 이러한 차원에 대한 설명을 양쪽에 거울을 세움으로써 보여준다.

이러한 전제하에 인셉션 에서 꿈속에서 또 꿈을 꾸게 하는것은 다음과 같이 설명될 수 있다. 3차원의 현실에서 꿈을 꿈으로써 유체이탈을 해 무의식의 영역인 특정 주파수대의꿈에 접속했다고 했다. 이건 어찌보면 3차원의 육체에서 유체가 이탈을 해 4차원의 영역대로 접속한 것이라고 해석할 수도 있다.

이렇게 해석한다면 4차원에서 5차원 대의 영역으로 진입하기 위해서는 또 인위적으로 꿈을 꾸게 함으로써 4차원의 육체에서 유체가 이탈을 해 4차원의 꿈의영역으로 접속함으로써 5차원대의 영역으로 진입하는 것이고 또다시 5차원대에서도 인위적으로 꿈을 꾸게 함으로써 5차원대의 육체에서 유체가 이탈을해 5차원대의 꿈의 영역인 6차원대로 진입하는 설정 이라는 것을 유추해 낼 수 있다.

따라서 인셉션 에서 나오는 무의식의 밑바닥은 아주 높은 차원 이라고 해석할 수 있다. 상식적으로 생각해 봐도 아주 비밀스런 정보나 누구에게도 말못할 비밀이나 상처 어린시절의 트라우마 등은 무의식의 아주 깊은곳에 저장해 놓지 않겠는가! 인간이라면 누구나 그럴것이다. 단지 우리는 그것이 이렇게 꿈과 차원 이라는 복잡한 구조속에 저장 되어져 있다는걸 인지하지 못할 뿐인 것이다.

어느것이 진정한 나란 말인가?

따라서 이영화 인셉션 에서도 나오지만 주인공인 코브(레오나르도 디카프리오)의 부인 맬(마리안 꼬띠아르)은 함께 꿈속에 접속한다. 꿈속에 접속했을때는 너무나 현실과 비슷하기에 실제 현실과 구분하기가 쉽지 않다. 이때 실제 현실과의 구분을 위해서 필요한 것이 토템 이다. 예고편에서도 나오지만 꿈이라는 다른 차원의 공간은 3차원의 물리적 법칙과는 다르기에 이를 자신만이 간직하고 있는 하나의 토템으로 구분하기 위한 것이다.

하지만 코브의 부인 맬은 점점 현실과 꿈속에서의 공간에 대해 차이감을 못느끼고 어느것이 진정한 나 인지 헷갈려 하기 시작한다. 인셉션 에서 놀란 감독은 오히려 실제 현실이 진정한 나가 아니라고 두 장면에서 배우들의 대사를 통해 관객들에게 주장한다.첫번째 장면은 코브가 약물전문가를 만날때 빈민가의 사람들이 꿈을 공유하는 지하실에서 현장 관리인의 입을 통해서 전달하고 또 한번은 코브의 부인인 맬의 대사를 통해서 전달한다.

놀란감독이 주장하는 이렇게 현실이 진짜 나인지 꿈속의 나가 진짜 나인지에 대한 모호함은 일찍이 중국의 철학자 장자가 이미 주장한 내용이기도 하다. 호접지몽(胡蝶之夢)을 줄여서 호접몽(胡蝶夢) 이라고도 하는데 장자가 하루는 꿈속에서 나비가 되어 날아다니는 꿈을 꾸는데 장자가 나비꿈을 꾸는 것인지 나비가 장자 꿈을 꾸는지 헷갈리 더라는 고사에서 나온 것이다.

호접몽은 알려진 바로는 인생의 덧없음을 얘기한다고 하지만 사실은 인셉션에서 하는 얘기와 비슷한 얘기를 하는 것일 뿐이다. 이미 천오백년 이상 전에 장자가 이러한 것을 깨달았다는 것은 장자 또한 꿈에대해 정확하게 알고 있었다는 반증이라고 생각 한다. 그리고 필자가 기억하기로 우리나라의 영화감독 중에서 김기덕 감독 또한 봄 여름 가을 겨울 이라는 영화의 엔딩에서 이러한 얘기를 한걸로 알고 있다.

자 그렇다면 어느것이 진정한 나일까? 이에 대한 판단은 영화를 보면서 여러분들 스스로 내리길 권유한다.

★ 업 or 카르마

그리고 이 영화를 관통하는 또다른 주제중의 한가지가 소위 동양에서 말하는 업이다 서양에서는 이를 카르마 라고 표현한다. 주인공인 코브는 아내를 사랑하는 마음에 해서는 안될 일을 하게 되고 이것이 단초가 되어 아내인 맬은 현실과 꿈에 대한 구분이 점점 모호해 지게 된다. 이로인해 일어나는 일련의 사건은 고스란히 코브에게 카르마가 되어 돌아 온다.

이 카르마로 인해 코브는 미션을 수행하는데 있어서 뜻하지 않은 크나큰 위기에 봉착한다. 코브는 이 카르마가 왜 자신을 괴롭히는지 처음에는 깨닫지 못하지만 마지막에 자신과 맬이 창조했던 세계에 대한 이야기를 하면서 아내맬이 그토록 원했던걸 사실은 이미 함께 했었다는 것을 깨닫게 되고 맬 또한 이를 깨닫게 됨으로써 카르마는 해결 된다.

★ 숨겨놓은 진짜 주제

위에서 언급한 내용들은 이 영화를 보기전에 알고가면 더욱 재미있을 만한 얘기들을 나름대로 필자의 주관적인 해석을 덧붙여서 제시해 본 것이다. 하지만 필자가 생각하기에 이 영화 인셉션 의 진짜 주제는 숨겨져 있다. 그것은 어쩌면 반어법일 수도 있을 것이다. 필자가 느끼기에는 놀란 감독은 이 영화를 통해 우리가 살아가는 이 현실 자체가 하나의 긴 꿈이라는걸 깨달으라는 것이다.

놀란 감독의 이러한 메세지가 숨어 있는 장면은 카르마를 해결하는 장면과 동일한 장면에서 엿볼 수 있다. 따라서 앞으로 영화 보실 분들은 영화의 마지막 부분에서 코브와 맬이 카르마를 해결하는 장면을 유심히 보시길 권유한다^^* 그리고 놀란 감독은 이러한 자신의 메세지를 이 영화를 보게될 모든 관객에게 인셉션 하려고 하는 것이다.

마지막으로 이 영화에서는 꿈에서 깨어나기 위한 장치를 "킥" 이라고 부른다. 여러분들도 자기전에 "킥"을 준비하고 주무시길 권유한다. 혹시 꿈에서 깨어나지 못할지도 모르니....

<파코와 마법 동화책>현실과 동화의 멋진 만남

haku — Tue, 13 Jul 2010 07:29:25 +0900

현실과 동화라는 이종교배의 결과물인 <파코와 마법 동화책>

현실적인 이야기와 동화적인 이야기 중에 어느 이야기가 만들기 더 쉬울까? 사실 쉬운 일은 없다가 정답일 것이다. 창작이란 어느 것이든 고통을 수반하는 작업이니까. 그렇다면 현실적인 요소와 동화적인 요소를 결합하는 작업은 어떨까? 개인적인 생각으론 현실과 동화로 한정시켜서 하는 작업보다 조금 더 어렵지 않나 생각한다.

동화 같은 현실의 이야기, 또는 현실 같은 동화의 이야기. 현실과 동화라는 완전히 분리되는 영역의 작업이 아닌, 서로의 영역이 중첩된다는 것은 무엇을 의미할까? 무엇이든 간에 합친다는 것은 어려운 일이다. 특히 창작이란 작업에서는 더욱 그렇다. 보통의 경우에 반대적인 개념들을 섞는다는 것은 자칫 난해한 실험적인 작품이 나오거나, 아니면 유치한 작품이 나올 가능성이 크다. 게다가 현실과 동화는 너무나 다른 요소가 아닌가.

<파코와 마법 동화책>은 이런 우려를 고스란히 안고 있는 작품이다. 그렇기에 작품 자체의 평가를 받기 전에, '선입견'이 개입할 여지가 크다. 보이는 모습 그대로 해석하여 일본식의 과장 연기가 가득한 유치한 동화 풍의 영화일 것이라 선입견. <파코와 마법 동화책>은 그런 유치함의 틀에 놓인 영화일까?

아니, 그렇지 않았다. 선입견은 단순한 심리적인 오류일 뿐이다. <파코와 마법 동화책>은 단순히 현실과 동화를 결합한 무난한 작품이자 현실적인 고민이 묻어 있는 꽤나 근사한 이종교배의 산물이었다.

타인의 기억에 남는다는 것

시간과 공간이 모호한 어느 병원. 오누키 노인은 뭐든지 자기 멋대로인 사람이다. 자수성가한 대기업 사장 출신인 그에게 타인들이란 그저 하찮은 존재일 뿐이다. 그런 오누키는 어느 날 우연히 파코를 알게 된다. 교통사고를 당한 후 하루 밖에 기억하지 못하는 소녀 파코. 파코는 교통사고로 가족을 잃었던 자신의 생일에 영원히 머무르는 소녀다. 파코의 사연을 알게 된 후, 파코에게 무엇인가 해주고 싶은 오누키. 파코를 위해서, 그녀가 항상 읽는 동화 '개구리왕자 대 가재마왕'을 연극으로 만들어 보여주고자 결심한다.

<파코와 마법 동화책>의 내용은 현실과 동화라는 두 가지 영역의 경계선 사이에 서있다. 타인의 기억에 남기를 거부 했던 한 남자가 모두의 기억에 남게 된다라는 영화의 이야기 속에서, 오누키와 파코가 만난다는 것은 현실과 동화의 만남이다. 오누키는 돈을 우선으로 하며 타인과의 소통을 거부하는 현대 물질 사회의 상징적인 인물이다. 그에 반해 때묻지 않고 편견 없이 사는 동화 같은 인물인 파코는 순수함의 상징이다. 정반대 캐릭터인 오누키와 파코의 만남은 오누키의 마음이 치유되는 과정이자, 타인의 기억(또는 추억)에 대한 우회적인 서술의 과정이다. 다소 진부할지는 몰라도 진정성은 엿보이는 이야기.

무엇보다 영화에서 유심히 볼 점은 이야기를 만들어 가는 방식이다. 기본적인 설정과 플롯은 동화 <크리스마스 캐롤>을 차용했다(원작 작품의 제목도 <미드썸머 캐롤: 개구리왕자와 가재마왕>이다). 영화 속 오누키 노인은 스크루지의 변형된 캐릭터. <크리스마스 캐롤>에서 스크루지는 타인에게 아무런 애도도 받지 못하던 스스로의 모습에 대해 슬퍼한다. <파코와 마법 동화책>은 스크루지의 전개와는 조금 다르지만 본질적인 모습은 같다. 영화는 파코의 기억 속에 남고 싶은 오누키의 모습을 통해 타인에게 기억된다는 것이란 무엇인지 질문을 던진다. 그것에 대한 대답은 다른 사람의 기억에 살아 있는 것이야 말로 진정한 살아있음이라 말한다. 때로는 유쾌한 방법으로, 때로는 슬픈 방법을 통해서.

여러 동화의 요소들을 차용하여 재구성한 내용, 여기에 더해진 영화적인 표현 방법

<파코와 마법 동화책>은 한 인물의 반성과 자기 인생에 대한 치유라는 점에선 <크리스마스 캐롤>을 기본 축으로 했지만, 다른 동화의 요소들 역시 훌륭하게 차용되었다. 오누키가 스크루지를 모델로 했다면, 파코는 피터팬과 신데렐라로 대변되는 캐릭터다(영화 속에서 직접적으로 언급되는 동화들이기도 하다). 7살 생일에 머물러 있는 파코의 모습에선 네버랜드에서 시간이 멈춘 아이들의 모습이 나타나며, 하루면 기억이 사라진다는 설정에선 12시면 마법이 풀리는 신데렐라의 안타까움이 남아 있다.

이렇듯 <파코와 마법 동화책>은 여러 동화의 요소들을 차용하여, 흥미롭게 재구성하였다. 그리고 동화적 요소들을 재구성한 내용이 스크린으로 나타나는 모습은 <이상한 나라의 앨리스>를 떠올리게 한다. 파코의 동화책을 읽는 모습에서 앨리스가 연상되며, 병원의 모습은 원더랜드가 가진 기이함과 비슷하다.

<불량공주 모모코>와 <혐오스런 마츠코의 일생> 등으로 국내에서도 상당히 인지도가 높은 나카시마 테츠야 감독. 그의 영화적인 재능은 이번 영화 <파코와 마법 동화책>에서도 빛을 발하고 있다. 감독은 실사와 애니메이션, 그리고 CG 등 다양한 방법을 동원하여 이야기를 풀어갔다.

실재와 CG를 교차시킨 연출과 편집. 감독은 원작이었던 연극과 자신이 만드는 영화가 어떤 점에서 다르고, 어떻게 보여주는 게 효과적인지 정확히 알고 있었다. 영화라는 장르가 가지는 시공간의 자유로움과 여기에 접목된 기술적인 접근이 가져다 주는 표현력의 상승. 이것들은 책이나 연극이 보여줄 수 없는, 영화라는 장르가 가진 장점이 무엇인지 확실히 보여준다. 그 중 백미는 오누키가 파코를 위해 만든 연극 <개구리왕자 대 가재마왕> 장면. 현실과 동화가 자유로이 오가며, 실사와 CG의 효과적인 퓨젼 영상을 보여주는 연극 장면은 영화의 가장 흥미로운 대목이다. 또한 감독의 고민이 날카롭게 서려 있는 흔적이기도 하다.

나카미사 테츠야 감독의 장점이 잘 녹아 있는 작품이다

<파코와 마법 동화책>은 근사하게 동화들을 녹여내어 만들어낸, 한 편의 새로운 멋진 동화다. 자유로운 창작적 접근을 좋아하는 분, 또는 나카시마 테츠야 감독의 표현 방식을 좋아하는 분이라면 <파코와 마법 동화책>은 필히 극장에서 보아야 할 작품이다. 덤으로 파코 역을 맡은 아야카 윌슨의 연기는 놓치기엔 아까운, 너무나 사랑스럽고 귀여운 모습이다. 어쩌면 <파코와 마법 동화책>은 아야카 윌슨을 위한 영화가 아닐까 싶을 정도니까.

하지만 과장된 연기나 과장된 상황 설정을 거부하는 분이거나 현실과 동화를 결합한 스토리텔링에 알레르기 반응을 보이는 분이라면 피하시길 권장한다. 다만 선입견으로 작품을 저평가하거나 외면하는 분은 좋은 영화 한 편을 놓치는 거라 말해주고 싶다. <파코와 마법 동화책>은 선뜻 펴기는 힘든 책이지만, 막상 읽기 시작하면 너무나 술술 잘 읽혀지는 그런 책과 같다. 처음만 힘들 뿐이다.

★★★

*2010년7월22일 개봉

<아더와 미니모이 2 : 셀레니아 공주 구출 작전>뤽 베송 감독님, 이건 아닙니다

haku — Thu, 08 Jul 2010 07:13:17 +0900

이해할 수 없는 뤽 베송의 두 번째 프로젝트

몇 명의 감독에게 이런 의문을 가질 때가 있다. "도대체 저걸 왜 하고 계신 걸까"라는 의문. <백 투 더 퓨쳐>시리즈나 <포레스트 검프>로 유명한 최고의 이야기꾼인 로버트 제멕키스 감독이 실사 영화는 저버린 채 수 년째 3D 퍼포먼스 캡쳐에 매진하면서 CG영화만 만드는 것. 제작자로는 괜찮지만 감독으로서는 연출력은 그다지 나아지지 않는다고 생각하는데, 스스로에 대해 고평가를 하는 강우석 감독. 더욱 다양하고 흥미로운 영화들을 만들 수 있는데 변신로봇만 붙잡고 있는 마이클 베이 감독. 이 분들이 나에겐 의문스러운 행보의 감독들이다. 사실 한 분야에서 성공한 분들에 대해 내가 왈가왈부 한다는 것도 넌센스이긴 하지만, 그저 한 명의 영화팬으로서 아쉬운 마음을 글자로 적어보는 것이다.

이해하기 힘든 행보를 하는 감독 리스트에 한 명을 추가한다면 뤽 베송 감독도 들어간다. <니키타>, <레옹>, <제5원소>, <잔다르크> 등 선 굵은 화제작들을 만들던 뤽 베송. 언제부터인가 그는 감독 보다는 제작자로 크레딧에 이름을 올리기 시작했다. 그러던 뤽 베송이 돌연 선보인 뜻밖의 작품이 2006년 작품인 <아더와 미니모이 : 비밀원정대의 출정>으로, 국내에는 2009년에 뒤늦게 개봉을 한 작품이다. 개인적으론 이 작품을 처음 접했을 때 정말 의외라고 생각했다. 뤽 베송이 만들던 장르와도 연결이 쉽지 않던, 이해하기 힘들던 행보. 아무튼 <아더와 미니모이 2 : 셀레니아 공주 구출 작전>은 실사와 CG 를 합한 영화를 만든다고 몇 년째 재능을 날리고 계신(지극히 내 개인적인 생각이다) 뤽 베송 감독의 두 번째 프로젝트다.

1편의 구조를 재구성한 2편

굉장히 부정적으로 뤽 베송의 <아더와 미니모이>시리즈에 대해 이야기를 시작했지만, 난 영화 자체로는 1편 <아더와 미니모이 : 비밀원정대의 출정>을 흥미롭게 보았던 기억이다. 아동 영화로 적합했던 이야기 구조였으며, 배우들의 연기(프레디 하이모어의 연기도 좋았지만, 셀레니아 공주의 목소리 연기를 한 마돈나 역시 상당히 마음에 들었다)도 좋았던 영화. 그저 뤽 베송이 굳이 이런 영화를 왜 만들고 있는 걸까란 개인적 투정을 서두에 적어보았을 뿐이다.

<아더와 미니모이 2 : 셀레니아 공주 구출 작전>은 1편의 시간 이후의 이야기다. 현실세계에서 미니모이만을 만날 날을 손꼽아 기다리던 아더. 그러던 어느 날 거미가 전해준 'HELP'라고 적힌 쌀 한 톨을 보고 미니모이들이 위험에 빠졌다고 아더는 직감하게 된다. 위험을 무릎 쓰고 미니모이 세계에 간 아더. 그러나 그것은 1편의 악당 맡타자드의 함정이었던 것이다.

<아더와 미니모이 2 : 셀레니아 공주 구출 작전>은 전형적인 속편의 구조를 그대로 답습한다. 쉽게 설명하면 1편의 악당인 말타자드의 역습 정도의 이야기. 보통의 실사나 애니메이션 들이 1편을 답습하여 재구성하는 것은 흔한 일이다. 다만 그 재구성이 재미있고, 흥미로운 접근인가의 문제가 중요하다.

그러나 2편 <아더와 미니모이 2 : 셀레니아 공주 구출 작전>은 시작부터 불안했다. 몇 년 정도의 시간이 흘러서 기술적 진보를 했다는 걸 보여주려는 의욕이 충만했던 걸까(사실 그다지 발전한 기술로도 안보이지만). 미니모이들의 정신 사나울 정도로 어지러운 행동으로 시작하는 도입부. 어지러움으로 인한 현기증의 증가 속도만큼이나 1편의 좋은 기억이 소멸하는 속도도 급격했다. 그러면서 내 머리를 스치는 생각은 한 가지. "영화가 뭔가 이상하구나".

3편의 프롤로그의 의미 말고는 다른 존재 이유를 찾기 힘들다

<아더와 미니모이 2 : 셀레니아 공주 구출 작전>은 흥미로운 것은 둘째치고, 이야기 구조가 너무나 이상하다. 별로 중요하지도 않은 이야기들을 앞 부분에 깔면서 여유롭게 시간을 보낸다. 중요한 이야기들은 점점 뒤로 미루는 게 눈에 보일 정도의 여유로움. 그러더니 후반부에 이야기 속도를 갑자기 빠르게 올린다. 그리고는 마지막에 '3편에서 계속'이라는 자막과 함께 끝나버린다. 순간 나는 눈을 의심했다. 아무리 3부작이라지만, 이런 어처구니 없는 구성은 뭔가. 영화가 무슨 TV드라마도 아니고 적당한 지점에서 끊고 다음 시간에 계속이라니. 중요한 내용은 3편인 <아더와 미니모이 3 : 아더와 두 세계의 전쟁>으로 넘기는 2편의 존재 의미는 단순한 프롤로그의 의미 말고는 다른 존재 의미를 찾기 힘들 정도다.

<아더와 미니모이>시리즈는 분명 여러 장점을 가졌던 영화다. 영화의 소재는 어릴 적 많은 이들이 꿈꾸었던 내용인, 집 앞에 새로운 작은 나라가 있고 내가 그 곳에서 모험을 한다는 상상에서 출발한 이야기다. 그렇기에 1편에 이어지는 2편에서는 좀 더 흥미롭고, 동화스러운 이야기를 보여줄 거라 기대했다.

그러나 <아더와 미니모이 2 : 셀레니아 공주 구출 작전>은 이런 식으로 만들면 곤란하다는 생각만 들게 했던 영화다. 한 편의 영화로 독립적인 기능이 완전히 제거된 영화일 뿐이다. 2편에서 편집을 어느 정도 했다면 3편과 이어 붙여서 하나의 영화로 만드는 것이 충분히 가능했다. 원작을 읽지 않아 정확히는 알 수 없지만, 영화로만 접한 느낌으로는 장삿속에 2편과 3편으로 쪼개어 진 것이란 생각이다.

뤽 베송 감독님, 이제 어른들을 위한 영화를 만들어 주셨으면 합니다

뤽 베송이란 이름은 영화팬들에게 어느 정도 의미가 있는 이름이라고 난 생각한다. 영화 감독으로서도, 영화 제작자로서도 말이다. 그러나 <아더와 미니모이 2 : 셀레니아 공주 구출 작전>는 정말 아니라고 생각한다. <아더와 미니모이 2 : 셀레니아 공주 구출 작전>에서 굳이 장점을 찾는다면 1편에 이어 멋지게 성장중인 프레디 하이모어 정도(그나마 장점이었던 셀레니아 공주의 목소리도 2편에서는 마돈나가 안 했다)다. 황당한 사실 아닌가. 륏 베송의 영화에서 어린 배우만이 장점이라니. 믿기지 않을 정도다. 감독의 연출력이나 이야기 능력은 도대체 어디로 사라진 것인가. 너무나 몰입하다 보니 재능이 미니모이 나라로 가버린 것인가.

3편 <아더와 미니모이 3 : 아더와 두 세계의 전쟁>을 보기 위한 여정으로 선택한다면 상관없다. 그러나 솔직히 말한다면 굳이 이 영화를 극장에서 볼 이유를 나로서는 찾기 힘들다. 조금 더 솔직히 말한다면 3편 개봉 전에 DVD로 주요 장면을 스킵해가면서 보아도 무방할 정도다. 케이블 등에서 본다면 다소 고달플 것이다. 스킵할 수 없이 전체를 보아야 하니까.

어차피 3편까지의 여정은 예정된 것이다. 그러나 3편 <아더와 미니모이 3 : 아더와 두 세계의 전쟁> 이후엔 뤽 베송 감독이 아이들의 영화가 아닌, 어른들을 위한 영화를 만드는 감독으로 돌아왔으면 하는 바람을 가진다. 물론 미니모이 나라 어딘가에서 분실한 감독의 재능도 함께 찾아서 오셔야 한다. 만약 지금처럼 만들거면 그냥 제작만 하시는 게 낫다.

★☆

*2010년7월8일 개봉

필립 모리스 (2010)_짐 캐리, 이완 맥그리거의 열연에 박수를!!

shinsee — Wed, 07 Jul 2010 00:20:40 +0900

천재 사기꾼의 황당한 코믹 탈옥기!

자상한 남편이자, 좋은 아빠, 성실한 경찰이었던 스티븐 러셀(짐 캐리). 갑작스런 교통사고로 죽다 살아난 그는 갖고싶은거 하고싶은거 먹고싶은거 다 하며 살기로 결심한다. 하지만 럭셔리 삶을 위해 가장 필요한 건 바로 돈! 결국 스티븐은 천재적인 두뇌로 보험사기, 카드사기, 식품사기 등 기상천외한 방법으로 사기행각을 벌이고 결국 감옥에 들어간다. 거기서 운명적인 사랑(?) 필립 모리스(이완 맥그리거)를 만나게 되고, 이번엔 그와 함께 하기 위해 7전8기 탈옥사기에 도전 하는데…

'이것은 담배 영화가 아니'라며 요란한 배너 광고를 할 때 이건 또 무슨 영화인가.. 하며 관심 한 점 두지 않았다. 그러다 일요일 오후 갑자기 영화를 봐야만 하는 상황이 발생하자 급하게 인터넷을 뒤지기 시작했는데 이 영화가 눈에 들어온 거였다. '필립 모리스'. 세상에!! 주연배우가 자그마치 짐 캐리와 이완 맥그리거!! 도대체 무슨 영화길래! 볼만한 로드무비나 버디무비를 상상하며 극장에 들어섰건만.. 맙소사 끈적끈적한 '로맨스물'이었다.

그렇다. 이 영화는 '퀴어영화', 쉽게 말해 '게이가 나오는' 영화다. 전혀 상상도 보지 못하고 영화를 보기 시작한 터라 극이 진행될수록 나는 혀를 끌끌 차다가 까르륵 혼자 웃어대다가 코끝도 찡했다가 뒷통수 엄청나게 얻어맞고 얼얼해진 기분으로 극장을 나섰다. 그러니까 이것은 짐 캐리와 이완 맥그리거의 발칙한 도전 쯤으로 여길 만한 영화였다. 그들이 연인이라니, 그것도 언제나 남성적 캐릭터를 맡아 왔던 이완 맥그리거가 'bottom', 그보다 키가 조금 더 커 도서관에서 발꿈치를 들어 책을 내려줄 수 있는 짐 캐리가 'top'. 정말 기막힐 뿐이다. 그리고 영화는 주구장창 강조한다. 이 영화는 레알 '실화'라며. (믿기 힘들지만 이런 처절하고도 막 나가는 러브 스토리의 실제 주인공들이 있었단다.)
그러나 이 스토리가 영화가 될 수 있었던 것은 분명 짐 캐리가 주인공이었기 때문에 가능한 캐릭터이자 영화였고, 짐 캐리의 애정공세에 감동해 눈을 촉촉히 적시거나, 주먹을 입에 넣을 듯 울먹이고, 계집애처럼 달려가며 'I Love You'를 간절히 외치는 남자가 이완 맥그리거였기 때문에 가능한 묘한 화학적 재미를 일으킨 덕분일 거다. 정말 그들은 게이이거나, 잠시나마 진심으로 서로를 사랑했던 게 아닐까.. 하는 생각이 드는 건 아니었지만 두 배우의 셀레브리티와 평소 이미지와 대조를 해보면 해볼수록 큭큭 터져나오는 웃음을 참을 수 없었던 거다. 이 영화, 그냥 서로 재밌자고 만든 게 분명하다. 덕분에 보는 사람도 의외의 면들을 발견해 내고 씨언-하게 웃어볼 수 있었다.

그러나 영화에 무게감을 더하는 요소도 있다. 실존 인물이라는 스티븐 러셀(짐 캐리)의 불행한 개인사가 보여지는 영화 속 장면은 우리들 중 그 누구도 스티븐이 추구했던 '행복'과 '사랑'을 위한 발버둥을 손가락질할 수 없도록 만든다. 제 3자에게는 우습지만 분명 그것은 그에게 있어 소중한, 단 하나뿐인 '인생'이 걸려있던 문제들이었던 거다.

그럼에도 불구하고 이 영화를 보고 '역겹다'거나 '내용이 없다'고 혹평을 하는 혹자들이 충분히 있을 줄로 안다. 하지만 두 배우에 대한 애정과 관심을 조금이라도 가진 사람이라면 꽤 발랄한 영화 한 편 건지는 기회가 될 듯. 뭐 미국에선 이런 기발한 시도가 대중에게 잘 먹히는 모양이라 그것이 부러울 뿐이다. (강추하는 동영상 시리즈 '난 맷 데이먼과 섹스하고 있다!'를 보시길... 미국 엔터테인먼트산업의 대담함과 개방성에 눈물흘리며 새삼 감동(?) 하게 될 거임)

아, 한 마디로 정의하자면 이 영화는 진정 '사랑의 힘The Power of Love'에 대해 말하고 있는 영화 임에 분명하다. 누굴 사랑하든 이렇게 몸바쳐 사랑한다면 후회없으리. 또한 연기에 몸바치는(정말 바쳤다!!) 짐 캐리와 이완 맥그리거에게 앞으로도 나의 무한한 신뢰와 사랑을 보낼 것을 맹세한다.

아앗!! 너무 귀여워!! x0x ~~

뻔씨네

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